Monday, November 27, 2006

The Departed (Los Infiltrados)


Actors: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg y Martin Sheen.

Director: Martin Scorsese

Año: 2006
Una vez más comienzas a leer una reseña crítica de Cineideas, no encontrarás mucha información sobre la trama, pero será de mayor interés el ver aspectos fílmicos notables. Tanto los negativos como los que le dan un gran toque a la cinta.
Los infiltrados es un remake (refrito) de una película asiática. Aquí lo sobresaliente es la concepción que tiene un gran director como Scorsese sobre la historia. Los razgos clásicos de Taxi Driver se pueden ver en esta cinta. Añadiendo una evolución y tendencias actuales en el trabajo. Podemos presenciar un manejo de la violencia sutil durante casi toda la duración, excepto en el final. Realmente es aquí donde para muchos será una de las grandes películas de gangsters o una película que no fue magistral en todas sus etapas.
Dos jovenes entran a la policia en Boston, cada uno con un objetivo muy claro. Uno es un miembro de la mafia que busca facilitarle las cosas a un grupo de gangsters irlandeses. El otro es un policía sin perfil que tiene que ser un agente encubierto en la mafia y hacer lo posible por acabar con la banda. Es así como se genera un cruce de infiltrados que buscan cumplir su misión. La historia es muy interesante y te mantiene al filo de la butaca practicament toda la película. La fotografía es muy agradable y se tienen movimientos de cámara elegantes.
Es importante ver las actuaciones. Jack Nicholson ya tiene muy trabajado a ese maniático con todo el sentido del humor. Es así como no nos sorprende con su gran capacidad y logra una actuación sumamente divertida y trabajada. Existen policias que realmente toman el papel de lleno y lo realizan magistralmente. Podemos definir que el manejo de historia y las actuaciones son un punto dominante. La fotografía es buena y bien establecida pero no logra ser sobresaliente. El guíon es formidable, irónico, crudo y muy inteligente. Realmente las conversaciones que se tienen son para reir y pensar todo el tiempo.
La edición es buena, sin ser magistral. La música tiene un buen toque de rudeza y rock and roll. Vemos cortes drásticos de sonido que nos meten de golpe a la secuencia de la historia. A muchos no les agrada ese tipo de cortes de música. Ahí es cuestión de gusto, pero no podemos negar que la selección es formidable. El tema de la violencia es todo un concepto, aunque llega a ser hasata cierto punto muy explícita. No se puede definir hasta que punto tantos tiros de gracia son arte o una obscenidad. A mi gusto es totalmente satírico, pero si es importante advertir sobre el drástico final. Ya que es habitual en este director ver las panatallas escurrir con sangre. Para muchos será esta cinta un clásico contemporáneo de las películas de mafia.
Calificación: 8.5


Tuesday, November 14, 2006

Babel



Director : Alejandro González Iñárritu
Guión: GuillermoArriaga

Música: Gustavo Santaolalla
Fotografía: Rodrigo Prieto

Actores: Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael García Bernal, Jamie McBride, Kôji Yakusho, Lynsey Beauchamp, Paul Terrell Clayton.


Es la última cinta de una trilogía, trabajo que logra un resultado impecable. Tenemos a un director que ha sabido desprender de un gran guión una película que cumple con un equilibrio fílmico de cada elemento. De esta manera se tienen actuaciones, fotografía, edición y una cronología dinámica e inteligente. Es importante mencionar que Babel es un grito humano que pide un rescate ante la deshumanización y más que nada es el choque de ignorancia entre culturas. Esta ignorancia refleja un miedo que genera discriminación y la autodestrucción del genero.

Podemos ver cuatro historias, que al más puro estilo del director se relacionan entre sí de una manera sutil. Es la historia de un matrimonio americano que viaja a Marruecos, dejando a sus hijos con una niñera mexicana circunstancialmente irresponsable. Esta pareja al entrar por Marruecos sufre un accidente ocasionado por dos niños árabes que de manera de juego aprenden las repercusiones de utilizar armas irresponsablemente. Ellos recibieron un rifle procedente de un cazador japonés el cual tiene una hija sordomuda que busca ser aceptada en un mundo que no la comprende.

La actuación de la niñera mexicana es impresionante y logra ser de lo más sobresaliente en actuación. También nos transportamos a una típica boda de rancho que impacta con alegría a todos los presentes, especialmente a los dos pequeños "greengos" que pensaban que México era muy peligroso. Vemos un Marruecos que conquista con su folclor único y contrastante con occidente. Algo que es impresionante son las locaciones, ya que nos transportamos a lugares maravillosos de una manera diferente. El director nos pone en el sentir de cada personaje. Así como podemos revivir una fuerte angustia en cada momento. Vemos un Japón que se comienza a perder en un mundo sumamente urbano, y que incluso dentro de cada cultura existe una indiferencia total hacia el prójimo.

Se hace un planteamiento muy interesante sobre el miedo que tenemos hacia lo que no conocemos, así como una falta de interés por entender el corazón de otras personas. La fotografía es todo un recorrido bellamente realizado por el mundo. La edición y cronología generan un cine dinámico e inteligente, dando brincos entre los lapsos de tiempo y las historias. La música es algo que nos cautiva y nos mete directamente a cada escena de tensión y fuerte contenido humano. Vemos un Pitt lleno de arrugas y canoso que logra transmitirnos la desesperación que vive en cada momento, así como su impotencia de comunicarse con una cultura diferente. De tal manera vemos una adaptación al cine mágica, que acompañada de actuaciones limpias se genera una de las mejores películas de este año.

Terminamos esta reseña aclamando el título que sin duda alguna es una analogía con el mundo actual. Vivimos en una torre de Babel, donde no nos comprendemos y nos alejamos cada vez más de vivir en una comunidad positiva para el hombre. Es algo realmente impresionante salir del cine con una fuerte reflexión que vamos directamente hacia una institucionalización de la discriminación. Quizás nos entenderíamos mejor sin utilizar tantas palabras y más anteponiendo el corazón.

Calificación 9.4




Friday, October 27, 2006

Película Atlantic City : Reseña


Actores: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Michel Piccoli, Hollis McLaren y Robert Joy.

Director: Louis Malle

Año: 1981

Sin duda alguna una película que logra transmitir una época y una ciudad a través de un inspirado director francés. Podemos ver un cine lleno de pudor que cautiva y cuadros que buscan embellecer cada suceso dentro de la cinta. De esta manera nos llevan a Atlantic City que se encuentra en una caída como ciudad. Esto a causa de la consolidación de Las Vegas y la competitividad turística en los 80's. Es de esta manera como se logra generar todo un ambiente de melancolía y añoranza por una vida gloriosa en el pasado.

Todo comienza con una jóven divorciada que busca ser algún día una croupier de casino. Es así como afronta una dura vida en una ciudad que le genera cierta repulsión por su olor y categoria. De esta manera llega su ex esposo, el cual huyó con su hermana tiempo atrás. Esta pareja necesita hospedaje y alimentos. Dejando a un lado el orgullo los recibe y afronta un terrible momento debido al nuevo oficio de su ex esposo.

Así es como se topa con un vecino el cual siempre la observó. El vecino aprovechando una oportunidad accede a una vida pasajera de lujo. De esta manera trata de adoptar una pose de galán ante la joven interpretada por Susan Sarandon. No soy ningún admirador de su trabajo, pero creo que es de lo mejor que le he visto. Considerando su corte comercial como actriz. Es interesante ver como choca el pasado de este hombre con el nuevo Atlantic City. También es importante apreciar ese intento de ser un hombre que sepa proteger a una mujer, ser un hombre exitoso y ser admirado por los demas. Es de esta manera como se crea una historia que expone la realidad de muchas personas que estuvieron en aquella ciudad en ese tiempo.

Es importante ver la actuación de la vieja que es cuidada por el viejo hombre. La fotografía es muy anticipada y el dinamismo de la edición es convencional. Justo como se hacía en esos años. Tiene un corte característico de la tendencia de hacer cine en la época. Es muy rescatable la historia como todo un eje que brinda buenas actuaciones. Así como se expone de una gran forma el contenido humano de cada personaje. El director sabe llevar de escena en escena a cada actor, pero con una ligera deficiencia, ya que el guión de cierta manera parece ser teatral y muy ríspido. Pero no podemos demeritar esta cinta que realmente nos hace sentir dentro de una ciudad en decadencia y viviendo una vida con un futuro no muy claro.

Calificación: 8.3

Thursday, October 12, 2006

En el Hoyo

Director: Juan Carlos Rulfo

Guión: Juan Carlos Rulfo

Actores: Isabel Dolores Hernández Chabelo o El Chaparro, José Guadalupe Calzada El Grande, Agustín Zárate Centeno, Natividad Sánchez Montes.
México 2006

Una radiografía nítida sobre lo que hay detrás de una obra como el segundo piso del Periférico de la Ciudad de México. Se enaltece la cultura y picardía mexicana de los empleados de la construcción. El albañil, el herrero son exhibidos como grandes genios del albur y la ocurrencia cotidiana. Así como se expone una realidad habitual que el mexicano sabe soportar con esfuerzo y buena cara. Nuestra raza, el sostén de un país como México recae en el grueso de su población, que son personas de trabajo y que han sufrido los resultados de los enfoques políticos y económicos de los gobernantes.

Apreciamos un documental que a través de su fotografía nos introduce a los diferentes escenarios de la obra de una manera soberbia. Es sin duda un gran trabajo que busca regresar a un cine real y espontáneo. Al cine cotidiano y al entretenimiento con sentido. Evade el tema político que existe alrededor de la obra y se enfoca en brindarnos anécdotas, bromas y comentarios auténticos de los responsables de la misma. La edición de imágenes es de vanguardia y las tomas por la noche nos contagían ese sentimiento de una urbe en movimiento eterno.

Con base en entrevistas nos van contando un poco de la historia de cada protagonista que se encuentra en la película. Así como cosas habituales; su comida o incluso sobre su lugar de origen. Es así como vemos un México real. La película está bien lograda y se basa en diálogos espontáneos, de esta manera se logra un documental que ha sido reconocido en distintos festivales de cine independiente. La música son sonidos urbanos que tratan de impregnarse al contenido visual de concreto y fierros.

Calificación: 8.3

Thursday, September 28, 2006

Good Night, and Good Luck (Buenas noches, Buena suerte)




Director: George Clooney

Guión: Grant Heslov y George Clooney

Actores: David Strathairn, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Ray Wise, Frank Langella, Jeff Daniels, George Clooney.

Año:2005


George Clooney recordado por trabajos sumamente banales y de poco fondo logra sorprender de una manera muy agradable a la audiencia con una cinta que nos hace viajar a los inicios de la Televisión Americana dentro de los cuartos de prensa y grabación de CBS. Consigue una cinta limpia dejando a un lado las producciones costosas y basándose en un excelente dominio de la historia y el respaldo de actuaciones sólidas.

La historia nos lleva a la década de los 50's, donde vemos como se realizaba un programa de contenido noticioso. El cual tiene un equipo de reporteros y un conductor comprometidos con una prensa más libre. En aquellos tiempos donde la guerra fría dividía al mundo en dos, se presentó una persecusión exagerada contra personas que pudieran tener algún nexo comunista. Es así como este programa da seguimiento a los casos en donde se presentaban ciertas exageraciones e incluso discriminación sin sentido. Poco a poco se van metiendo en el tema, hasta llegar a realizar una fuerte denuncia a un senador que era el principal idealista de ese movimiento.

Es importante ver como sin tener una fuerte inversión en escenografía o efectos visuales se logra llevar una historia basada en la actución y una sólida dirección. Hicieron una decisión acertada al utilizar blanco y negro, ya que esto hace un fuerte enfasis en la época que presenta la cinta. Los vestuarios, peinados, lenguaje utilizado, así como la música están muy bien entrelazados. La cinta abusa mucho del guión, ya que es bueno, pero por momentos sentimos una película estática que no da giros o transmite fuertes impactos. Es sin duda una narración del suceso muy bien llevada, que pudo haber tenido una trama más intensa. La película por momentos parece un documental histórico, debido a la interacción de personajes y modo de presentar los sucesos.

Si la película hubiera salido hace 40 años, hubiera sido realmente polémica y sin duda una fuerte denuncia al sistema americano. Hoy en día el tema de la Guerra Fría es muy interesante, pero se ha convertido en un tema más de museos. Ya está muy hablado lo que sucedía con el miedo americano ante los comunistas y sus diversas formas de proceder en esa época. Para los amantes del tema es una visión más hacia la problemática que se vivió. Espero ver pronto a George Clooney desarrollando un nuevo proyecto con el nivel de trabajo que mostró en Good night, and Good Luck.

Es un llamado a los medios de comunicación actuales a tener valor por romper esquemas y buscar un periodismo más ético. También expone valores de justicia y de cierta manera lo podemos relacionar con los Estados Unidos de hoy. Donde existe de cierta manera un pánico hacia el terrorismo y cualquiera puede ser sospechoso. Es así como el miedo y la ignorancia para juzgar personas se vuelve en un acto cruel que desnuda la ineficiencia de todo un sistema político.

Calificación: 7.8



Saturday, September 23, 2006

Douches Froides (Duchas Frías)


Director: Anthony Cordier
Guión: Antony Cordier

Actores: Johan Libereau, Salomé Stevennin, Pierre Perrier, Florence Thomassin, Jean-Philippe Ecoffey, Aurélien Recoing
Año: 2005 (Francia)

La belleza de la juventud llena la pantalla de una manera enérgica, ya que la cinta nos narra la vida de un joven francés y sus experiencias. La trama le da al Judo una tónica de eje para ir desarrollando la mayoría de los eventos. Ya que podemos ver entrenamientos, fiestas y demás actividades relacionadas con este deporte. Acompañado de su novia, una chica un tanto peculiar y sin duda alguna un símbolo de pasión y deseo en la película. Es así como llega un nuevo integrante a la cinta, un chico de la clase alta francesa el cual busca ocupar un lugar en el equipo. De esta manera tenemos un planteamiento casual de lo que es una relación sexual y de amistad entre tres personas.

Vemos los efectos que generan el deseo sexual, amistad y algo parecido al amor interactuando al mismo tiempo. Se generan distintas disputas que de manera muy discreta marcan el camino entre los tres jóvenes. El protagonista es hijo de un desempleado y alcohólico, el cual ha formado junto con su esposa un hogar de histeria. De esta manera el continúa estudiando y entrenando al extremo, incluso bajando nueve kilos de peso y llevando su físico al límite para entrar a otra categoria. Citando a Carlos Fuentes, los celos son volver a nuestra adolescencia y es así como el se compara y presiente que su novia podría preferir a su amigo.

Técnicamente la cinta utiliza demasiados close ups, lo cual hasta cierto punto provoca desesperación al observarla. Así como se reduce demasiado el marco fotográfico y se convierte en cuadros corporales. Las escenografías son muy limitadas, ya que ni llegan a ser reales o incluso muy preparadas. Así mismo los juegos de luz son muy luminosos o demasiado oscuros. Respetamos al director de fotografía, pero creo que visualmente es pobre el trabajo. En cuestión de dirección, se tiene un buen entendimiento de la trama y guión, derivado de que el escritor dirige. La película tiene un interesante planteamiento de distintas vivencias que afronta un joven, pero no llega a ser una obra que impacte o genere un tipo de reflexión. En Francia no tengo duda que haya sido una cinta comercial, ya que no propone alguna novedad en trama u otro aspecto cultural.

Calificación: 7.3
puedes ver el trailer en:

Tuesday, September 05, 2006

Lord of War (Hombre Peligroso)


Actores: Nicolas Cage, Bridget Moynahan, Jared Leto, Shake Tukhmanyan and Jean-Pierre Nshanian
Director: Andrew Niccol
Año:2005 (EU)

Una cruda narrativa sobre la manera de traficar armas en las zonas de guerra mundiales. Es sin duda un guión cínico, pero brillante, ya que relata y expone claramente cada detalle sobre la profesión del protagonista. Tenemos un personaje que emigra de Ucrania a EU y descubre que el mercado de las armas es una industria millonaria que incluso puede ser superior a las drogas o el comercio sexual. Es así como empieza a vender poco a poco, adquiriendo cada vez más conocimiento y poder adquisitivo para sobornar y acceder a mejores inventarios. Es muy interesante apreciar el planteamiento alterno al tema central de las armas, pues nos deja helados con la disyuntiva entre tener una vida llena de lujos, una bella mujer e hijos a costa de brindarle al mundo los medio para aniquilarse o simplemente dedicarte a ganar dinero honestamente, y así enfrentar la vida.

La historia delata al gobierno americano como el máximo fabricante y vendedor de armas, que requiere de personas ilegales que se encarguen de distribuir todo alrededor de África, Medio Oriente y todas las tantas zonas de conflicto. Así como vemos el gran negocio que fue la ruptura de la Unión Soviética, donde miles de millones de dolares fueron obtenidos gracias a la corrupción de los inventarios militares. Se manejan toques de humor negro dentro de la manera de desvestir el negocio por parte de Nicolas Cage(quienes pagan mejor, hábitos de los dictadores, etc), que hacen que la historia tenga una gran mezcla de elementos de contenido. Desde puntos históricos, cómicos y de actualidad son manejados dentro de la cinta.

Es un reclamo ante el problema del tráfico ilegal de armas que año con año aniquilan miles de personas en el mundo. Y como estos delincuentes logran sin ningun castigo cantidades millonarias. Así como lo bien protegidos que están por gobiernos alrededor del mundo. La cinta tiene una secuencia muy interesante que va ligando los sucesos de forma muy dinámica, lo cual hacen que no sea incómodo observar la cinta de principio a fin.

La fotografía es muy buena, ya que las escenografías utilizadas y los lugares de filmación son muy reales. El desarrollo del personaje es muy completo, así como la actuación. Es posible que tenga algunas debilidades la historia en su dirección, donde vemos ciertas deficiencias en crear un mejor papel para los demás personajes. Sin duda alguna una gran cinta que nos cuenta la historia de una vida muy peculiar. Los efectos de sonido y visuales no son apantallantes, pero sin duda alguna son muy dignos.

Calificación: 7.9


Trailer

Monday, August 21, 2006

L'Homme du Train (El Hombre del Tren)



Actores: Jean Rochefort, Johnny Hallyday, Jean-François Stévenin, Charlie Nelson and Pascal Parmentier
Director: Patrice Leconte
Año: 2002 (Francia)





Un filme que elegantemente logra su cometido de envolvernos en la personalidad de dos personajes muy distintos, pero que comparten la soledad de un modo similar. Y poco a poco van deseando vivir la vida del otro aunque sea por un ligero momento.Un maestro jubilado que observa el pasar de los días sin ningún problema y un maliante que arriva al pueblo. Se conocen comprando medicinas en la farmacia y el maestro lo invita a dormir a su casa debido a que el hotel local se encuentra cerrado por ser baja temporada. El maestro ancioso de ser arrebatado y lleno de aventuras. Y el maliante totalmente harto de vivir en riesgo y en el total abandono prefiere irse volviendo precabido y relajado. Nos encontramos en una cinta que propone dialogos sumamente interesantes donde se platica de música, poesía, hábitos, la vida y las mujeres. Un humor sumamente bien planeado e inteligente, sin llegar a ser absurdo o cínico. Simplemente se logra una interacción sutil que logra una trama que poco a poco se va integrando en una historia completa, pero a su vez sencilla y bien lograda.

La estadía del maleante será hasta el día sábado, día en el cual ambos personajes tendrán un evento importante. El maestro será operado de alto riesgo y el visitante tendrá que realizar un asalto bancario de alto riesgo. Vemos como poco a poco ambos van entrando en el climax de su propia historia. Y es así como se sucita el desenlace de la cinta de una manera poética y mágica que nos deja perplejos ante los eventos. Disfrutamos las tomas limpias, llenas de ese cine europeo con nitidez en los colores y la inclusión de algunos filtros que generan tonos celestes en alguans partes. Así como la falta de luz en ciertas tomas, que llenan de magia y nostalgia varias de las escenas de la película. La música de cuerdas hasta cierto punto campirana acompaña junto con las piezas de piano de manera dinámica cada escena.

Se piden un favor uno a cada quien, señal de un deseo por vivir un poco como el otro. El maleante pide unas pantuflas, mientras que el maestro le insiste en aprender a disparar. Poco a poco se comienza a ver como se enamoran de la vida del otro subitamente. Llega a ser una amistad realmente estrecha en pocos días. Y se logra un desarrollo de personajes completo que nos hace sentir empapados por la vida de cada uno. Es una película que no defrauda a quien la observa, ya que podrá ver elementos cinematográficos sumamente de alta calidad. Una escenografía muy sencilla, donde se realiza toda la historia es un pequeño pueblo francés muy poco habituado a los asaltos. En general el hombre del tren se define como una vida que hemos deseado tener, y siempre hemos tenido miedo a conocer y vivir convencidos.

Calificación: 8.7
puedes ver el trailer en:
http://www.imdb.com/title/tt0301414/trailers-screenplay-E17447-10-2

Friday, August 11, 2006

Fight Club (El Club de la Pelea)


Actores: Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham Carter, Meat Loaf and Zach Grenier.
Director: David Fincher
Año:1999 (E.U.A.)

Cinta inteligente que logra mezclar los elementos fílmicos esenciales de manera brillante. Del mismo director de Seven, vemos un desarrollo muy importante en los juegos de trama, edición, creación de personajes, guión y cuestiones visuales. Así como un sensacional soundtrack que acompaña cada escena, impregnando la película de adrenalina. Basada en la necesidad de finales de siglo por sentir un desahogo emocional, la violencia entra como una adicción que se adentra al subconsciente poco a poco dominando a la persona. De igual manera acentuando un trastorno mental que expone las emociones más ocultas y reprimidas de cada ser humano.

La película comienza con un Edward Norton totalmente embriagado de su vida americana, donde se encuentra rodeado de los elementos cotidianos para un ejecutivo de su clase. Un departamento bastante cómodo, ropa de marca y un coche muy digno. Es así como durante un vuelo de avión conoce a una persona (Brad Pitt) que es todo lo opuesto a lo que él es. Y desarrollan juntos el club de la pelea como una alternativa para las sesiones de grupo de cualquier tipo. Ya que el protagonista tuvo que acudir a una serie de grupos (Alcohólicos, personas con cáncer, etc.) donde buscaba sentirse aliviado con las enfermedades y la necesidad de amor y comprensión que requerían las personas. Es así como vamos viendo durante la película como el club de la pelea se va haciendo un grupo a nivel nacional totalmente radical al sistema. Lo interesante es ver el juego de personalidades que se maneja durante la cinta y como se logra un final inesperado que termina por exponer totalmente al protagonista en su trastorno psicológico.

En Estados Unidos vemos cientos de personas que afrontan su vida totalmente sometidos al sistema. Esto genera cierto deseo de liberarse, fight club es una oportunidad de salir de ese yugo capitalista y emocional guiado por un líder con una personalidad en constante mutación. Una película llena de símbolos y detalles que nos hablan de aspectos psicológicos, así como técnicos y comerciales del existir. Es un cine que propone agilidad y dinamismo, de igual manera podemos ver dialgos que nos hacen pensar o reír sobre el cinismo para concebir la vida actual. La edición es excelente y se dan el lujo de poner pequeños cortos pornográficos de un segundo. Explicando el motivo de esta acción dentro de la misma película.

calificación: 8.5
puedes ver el trailer aquí:

Monday, July 24, 2006

Happiness (Felicidad)


Actores: Jane Adams, Jon Lovitz, Philip Seymour Hoffman, Dylan Baker and Lara Flynn Boyle
Director: Todd Solondz, Alan Oxman
Año: 1998 (U.S.A)




Del polémico director Todd Solondz, una crítica llena de cinismo sobre las patologías que cada ser humano esconde. Y que son simplemente el reflejo de la incapacidad de llegar a una felicidad real por las limitantes psicológicas de cada personaje. Y todo esto visto desde un enfoque ácido que busca la humillación de los personajes mediante su falta de realización sexual. La burla soberbia sobre el ser humano es una constante en cada escena de la cinta. Así como vemos la manera en que cada uno esconde sus preferencias sexuales, ya que tienen miedo de expresarlas libremente ya sea porque son enfermas y repugnantes o porque simplemente no tienen el valor de realizarlas. Se tocan temas duros como la pederastia y los diálogos llegan a ser sumamente crudos cuando se confiesan sus más bajos actos o anhelos.

Todo gira alrdedor de tres hermanas, donde cada una tiene una personalidad acorde a su tipo de vida. Una tiene un severo problema de autoestima y simplemente no puede tener relaciones donde la valoren. Otra tiene un matrimonio aparantemente común y la tercera es una escritora feminista llena de éxito, pero con una vida superficial y donde simplemente ya no sabe como sentirse plena. Las personas que conviven con ellas tienen fuertes barreras para alcanzar su felicidad soñada, lo cual va acentuando los problemas intrapersonales de cada personaje de una manera muy fuerte. Desde un obeso inseguro con el sueño de estar con su vecina escultural, un psiquiátra que oculta sus hábitos pederastas, una pareja de viejos por divorciarse, un niño que intenta con esmero la masturbación entre otras historias dentro de este peculiar filme.

Es así como llegamos a un desarrollo hasta cierto punto cómico de los personajes, donde sus desgracias y patologías llegan a causar risas de un humor sumamente negro. Y como las personas están predispuestas a sufrir cada vez más lo que llevan arrastrando. Es realmente interesante ver como cada persona hace su propia lucha para salir adelante en la vida e intentar al menos soñar con su felicidad ideal. La cual para la gran mayoría nunca llega, y sin duda alguna el ámbito sexual-afectivo es el más importante dentro de esta cinta. Los dialgos intentan ser honestos, lo cual nos genera un mundo cruel donde cada quien está desnudo ante su destino y rodeado de seres con fuertes contradicciones y máscaras.

La dirección tiene el sello muy particular del director, quien ha sido aclamado por la manera de exponer los diferentes temas que tiene en mente. La fotografía es fría y con poco juego a mi gusto, así como la edición. Sin duda alguna es una película centrada en la exposición del tema. Así como una gran selección de personajes que encajan perfectamente con la intención del director. Happiness es la felicidad frustrada de los seres humanos, gracias a sus propias barreras y patologías. Todo acompañado con un toque irónico, cínico y ácido que enfatiza cada mensaje dentro del guión.

Calificación: 8.4
puedes ver el trailer en:

http://www.imdb.com/title/tt0147612/trailers-screenplay-E10466-10-2

Wednesday, July 12, 2006

Io Non ho Paura (El Pozo)


Director: Gabriele Salvatores.
Guión: Niccolò Ammaniti y Francesca Marciano. Fotografía: Italo Petriccione.
Actores: Giuseppe Cristiano, Mattia Di Pierro, Adriana Conserva, Fabio Tetta, Giulia Matturo y Aitana Sánchez-Gijón.
Año: 2003 (Italia)


Es el choque entre la inocencia y la malicia de dos generaciones ante un mismo suceso. Donde vemos a través de los ojos de un niño los paisajes y acontecimientos de una manera bella. Así como nos metemos en un pueblo italiano lleno de pobreza y aburrimiento de una manera singular. Lugar donde vemos los hábitos y costumbres de las familias para ir resolviendo el día a día de su existir. Con esta película se nos recuerda que aún sigue existiendo un cine bello que resalta los parámetros humanos. Así como una fotografía que se centra en paisajes artísticos y una trama que golpea al corazón. También podemos ver un duro planteamiento moral en los actos de todo un pueblo y como los niños generan sus propias interpretaciones sin un gramo de maldad. Es sin duda una película que desnuda las emociones de cualquier familia y nos ha reflexionar sobre la problemática de la decadencia de valores como un lastre en la sociedad.

La película comienza cuando un pequeño niño italiano descubre la existencia de un pozo en una casa abandonada en la pradera, donde se guarda a un niño como él. Es así como poco a poco trata de entender la situación y comienza a acercarse cada día más al joven atrapado. Le lleva pan, agua y palabras de aliento que le son un gran alivio. Es aquí cuando ambos niños no pueden razonar lo que está sucediendo y enfrentan una situación que enaltece la bondad en cada acto. Una dura crítica al comportamiento de algunos padres de familia, que educan con contradicciones y no pueden dar la cara ante sus actos. Podemos ver claramente la enseñanza que puede generar un niño a su padre y la lucha por hacer el bien por el bien sin ningún miedo.

La película no llega a tener un desarrollo de personajes bueno, y la mayor parte gira en trayectos en bicicleta por parte del niño. Esto sin duda ayuda resalta la belleza de los paisajes y se complementa con una excelente fotografía de una pradera y un pueblo. Pero a su vez le quitó mucho desarrollo de algún otro elemento que le diera más valor de contenido a los dialogos. Aunque sin duda alguna la película expone personajes pecularies llenos de toda esa chispa latina. No se llegan a desarrollar perfiles de ningún personaje con profundidad. La cinta no nos trata de exponer una fuerte carga de diálogos, pero se enfoca más en los sucesos y reacciones de los implicados. Es una película que en su momento fue parte de la muestra internacional de cine y tuvo una buena difusión en México, ya que se le puede encontrar en cualquier video club. Tengo mis diferencias con el director en lo que se refiere al final, ya que para mí no es el óptimo, pero en fin, es mejor que la vean y saquen sus propias conclusiones.

Calificación: 8.4

puedes ver el trailer en:

http://www.ifilm.com/ifilmdetail/2632786?htv=12

Saturday, July 08, 2006

Requiem for a Dream (Requiem por un Sueño)










Actores: Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans and Christopher McDonald.
Director: Darren Aronofsky
Año: 2000
Escritor: Hubert Selby Jr

Sin duda alguna más que un planteamiento crudo sobre la adicción a distintas drogas. Requiem logra ser una de las obras más impactantes del año 2000, donde vemos un interesante cruce de anhelos con frustraciones. Enfatizando en el proceso patológico de recurrir a drogas para mantenerse en una realidad ficticia que cure el fracaso y la soledad momentaneamente. En una sociedad americana llena de falsos ídolos y conceptos banales de éxito, se genera una de las historias que desnuda la realidad sobre la felicidad dentro de muchas familias. La falta de amor en las personas y la búsqueda de aceptación por diferentes medios va dibujando el ambiente de toda la trama. El director logra combinar la mayoría de los elementos fílmicos de una gran manera, y es sin duda junto con Pi una de sus grandes obras. Las cuales fueron y seguirán siendo vigentes por varios años más.

Participan alrededor de un joven adicto a la heroína: su madre, su novia y su mejor amigo. Todos ellos con un sueño que se expone bellamente en cada parte de la película; Amor eterno, una familia unida, éxito y aceptación. Cada uno tiene que arrastrar un pasado y un presente que les aleja cada vez más de su felicidad soñada. Es así como la trama se va encrudeciendo, ya que todos los protagonistas poco a poco van tocando fondo en un mundo de abandono y consumo de drogas. Vemos un grupo de individuos condenados a un mundo donde las drogas irán mermando cada vez más su existir.

La música juega un papel vital dentro de la película, ya que está muy bien seleccionada para cada momento de estrés o depresión que se va teniendo. En ningún momento la música nos anuncia algo o simplemente acompaña, sino complementa el ambiente durante cuatro estaciones. La edición que se presenta es genial, ya que con simples imagenes y sonidos nos expresan el uso de drogas o transacciones de narcomenudeo en cuestión de segundos. La película se va acelerando conforme la droga va haciendo efecto en cualquier protagonista y podemos sentir junto con cualquier personaje la depresión, ansiedad o excitación. Colores, luz y oscuridad se integran y separan en cada fotografía.

Los dialogos son honestos y auténticos en sus frases, así como las actuaciones. La trama va subiendo hacia el climax de manera sútil y el final es totalmente impactante. Recomiendo ampliamente apreciar cada parte que nos tiene la película y en especial la agilidad para transmitir con los efectos visuales y de audio. Ya hace seis años que se filmó y luce como si la hubieran hecho ayer, ya que es un tema actual y el trabajo fue hecho minuciosamente. Es una obra de esperanza por ser feliz, y la lucha por cumplir nuestros sueños. Habla sobre la pelea diaria por vencer nuestras limitaciones emocionales y llegar a un existir pleno. Así como las falsas muletas que utilizamos para caminar (drogas), sin saber que solo nos harán caer de nuevo y más lejos de nuestros sueños.

We got a winner. Do you want to be loved or accepted?

Calificación 8.8
puedes ver el trailer en:
http://www.imdb.com/title/tt0180093/trailers

Tuesday, July 04, 2006

Oldboy



Actors: Min-sik Choi, Ji-tae Yu, Hye-jeong Kang, Dae-han Ji and Dal-su Oh
Directors: Chan-wook Park
Writing: Garon Tsuchiya
Año: 2003 (Corea)


Oldboy es una película que se desarrolla en Corea, la cual nos brinda un enfoque diferente de llevar a cabo un thriller referente a la venganza. La película tiene todo un panorama compuesto de humor negro, secuencias brutales de acción y violencia, así como una trama compleja que se va descifrando minuto a minuto. La historia al principio parece ser un viaje sin sentido por la tortura humana y la desesperación, pero poco a poco se va creando un mundo lleno de sensaciones contrastantes en cada parte de este crudo filme.

La historia comienza con un protagonista detenido por estar en estado de ebriedad el día del cumpleaños de su hija. El sale de la estación de policia después de unas horas y es secuestrado de manera repentina cuando ya se dirigía hacia su casa. Lo llevan a un lugar donde pasará los próximos 15 años bajo drogas, golpes y un televisor que le hará compañía. Mediante las noticias de la T.V. le informan que alguien ha matado a su esposa y él es el principal sospechoso por estar desaparecido. De esta manera vive sin saber nada sobre quienes son sus captores ,el motivo de su plagio o el homicidio de su esposa. Hasta que un día es liberado y sale sediento de venganza contra quien le ha hecho tanto daño a él como a su familia. Pronto el autor del secuestro comienza a comunicarse con él, le brinda dinero, un celular y ropa. Podemos definir la película como el choque de sentimientos que se canalizan hacia la venganza de las dos partes en conflicto de la película.

La cinta logra combinar de manera magistral el humor, la violencia y una trama llena de interrogantes, pues la secuencia de eventos va logrando ser muy abstracta, lo cual genera que a cada segundo estemos perdidos junto con el protagonista durante la trama. El hecho de ser una película oriental manifiesta la concpeción de vida que se mantiene vigente en esa parte del planeta, donde podoemos ver las expresiones, reacciones y constumbres. Si lo combinamos con las actuaciones llenas de picardía y malicia, vemos una imagen de la actualidad urbana en Corea. Existe un mensaje épico en las batallas que el protagonista tiene que librar ante decenas de rivales. Sin duda alguna esto nos hace pensar en una sátira a la violencia, así como evocar el pasado fílmico de la región. A mi gusto guarda un toque más original que Kill Bill y su secuela de lo que es un filme de esta categoria, pero considerando que ambas cintas son muy buenas . Los saltos de tiempo que se hacen al pasado dentro de Oldboy, se van haciendo sutilmente, lo cual va descifrando paulatinamente cada enigma que guarda esta historia.

La fotografia guarda un encanto, que se centra en los movimientos y ambientes de la película. Nos expone a cada instante un ambiente citadino increíble el cual es acompañado de juegos de luz que hacen muy nítidas las escenografías. Sin duda alguna es un viaje al sadismo y el goce de la venganza, temas que a muchos no les gusta ver representados en cine. Es sin duda un filme crudo que require de un gusto especial para poder apreciarlo, ya que no es grato ver sangre y dolor humano.

Calificación 8.4

puedes ver el trailer en:
http://www.apple.com/trailers/independent/old_boy.html

Saturday, July 01, 2006

Stay (El Umbral)











Actores: Ewan McGregor, Ryan Gosling, Kate Burton, Naomi Watts and Elizabeth Reaser.
Director: Marc Forster. (Finding Neverland)
Año: 2005
Escritor: David Benioff

Stay (El Umbral), es una película que tuvo muy poco empuje publicitario y de exhibición en México . En la siguiente reseña no vamos a tratar de justificar el trabajo de Marc Forster, porque tiene aspectos que no fueron bien logrados. Pero comencemos por tocar el sorprendente trabajo de efectos visuales que se realiza, es una experiencia muy grata poder ver los cambios de escena, los juegos de luz y cámara que se presentan, así como una fotografía sutil que va jugando con un trabajo de edición impecable. Hay que tomar en cuenta que es un thriller psicológico el cual se convierte en un viaje surrealista por la mente de uno de los personajes. Es por eso que se ven aspectos del subconciente de una persona reflejados en momentos que se repiten constantemente, por ejemplo, cuando se ve como suben un piano en el momento que un niño camina con su globo, todo esto nos va sugiriendo durante la película que no estamos ante una historia que se desarrolla dentro de un espacio normal.
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La historia nos habla de un paciente psiquiátrico que anuncia su suicidio dentro de unos cuantos días, el cual es abordado por un nuevo doctor que busca ahondar en el hecho. Todo sucede en un mundo de sueño, donde premuniciones, tiempo que se congela y los aspectos de la personalidad del enfermo se reflejan en cada esquina de la ciudad. Nosotros como espectadores entramos en la misma duda del psiquiatra ¿acaso estamos en un mundo creado por el enfermo? Donde el paciente, que es un artista de mucho potencial, va orillando la trama hacia un despertar en la realidad. Así como su lucha por querer seguir los pasos suicidas de unos de los pintores que más admira.Stay (Quedate) se puede denominar como el intento de lucha mental tras un suceso de shock físico y psicológico por definir si vale la pena mantenerse con vida. La historia tiene como punto de partida un accidente automovilístico que se convierte en el eje temporal de la cinta. El psiquiatra con ayuda de su novia (que fue una artista suicida) van descifrando emociones y vínculos del enfermo que al final giran en un desligue de sucesos. Entre sueño y realidad se fomenta un filme que nos pone a trabajar en todos los detalles visuales, así como en cada giro que da la trama con acontecimientos paranormales.
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Ahora toquemos los puntos débiles, el guión sin duda alguna tiene deficiencias de contenido. Ya que no se puede flaquear jamás a la hora de escribir o adaptar un guíón. A mi gusto es lo más agradable de cualquier película. A pesar de que Stay es un trabajo visual de muy alto nivel, en cuestión de contenido en los dialogos llega a ser muy pobre. Hasta cierto punto llega a perder impacto la trama debido al bajo sustento que le dan los comentarios. No quiero decir que haya que verla sin volumen, pero si es un punto negativo que guarda. Ya que nos perdemos en comentarios banales y sin trascendencia para la historia. En cada momento de la película entran las escenografías, iluminación o cambios de escena mágicos a rescatar la cinta. Yo soy un gran fan de la buena fotografía y siento que la película es muy recomendable para los amantes de efectos visuales. Aunque siento que para el director; Stay, es el lugar mental entre el mundo de los vivos y los muertos. Algo así como el sueño antes de morir.
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La actuación de los intérpretes siento que no es de las mejores que nos han brindando en sus carreras. Vemos a una Naomi Watts muy gris, quizás por lo que es su papel, pero a mi gusto no llega transmitir la esencia del mismo. McGregor trata de darle forma a su interpretación , y es lo más rescatable en actuación dentro de esta cinta, sin llegar a ser uno de sus mejores trabajos. El ambiente que genera Nueva York a nivel visual nuevamente fortalece la cinta a los ojos.
Calificación: 7.0/10
puedes ver el trailer en

Thursday, June 29, 2006

Match Point (La provocación)


Actores: Jonathan Rhys Meyers, Alexander Armstrong, Paul Kaye, Matthew Goode, Brian Cox,

Director: Woody Allen

Escritor: Woody Allen

Año: 2005

Compañías Productoras: British Broadcasting Corporation (BBC), Magic Hour Media, Thema Production, Invicta Capital Ltd., BBC Films

Antes que nada quiero darles la bienvenida a este blog que es un intento por compratir mi visión de películas y pensamientos con quien tenga la curiosidad de leerlos. Espero lograr generar buenas recomendaciones y un enfoque distinto sobre una de mis pasiones (en este caso el cine). He decidido comenzar con Match Point, porque es un nuevo matiz de genialidad de uno de mis directores favoritos, Woody Allen.

Woody Allen nos tenía acostumbrados a una fórmula que había sido muy identificada y explotada. Sus últimos trabajos a mi gusto habían dejado de ser obras de alto valor fílmico y llegaron a convertirse en tan solo secuelas sin mucha trascendencia de sus grandes obras. Dejó a un lado su genialidad para someterse en un cine con pocas sorpresas y dialogos hasta cierto punto redundantes en sus distintas patologías y pensamientos. Lo que sucede con Match Point es el retomar su genialidad y transformarla en una obra llena de elementos vitales para crear buen cine.

Un guión brillante, inspirado en la clase alta londinense. Donde podemos ver elegancia, ironía, y un humor flemático en cada frase. Se tocan diversos tópicos como ópera, vinos entre otros temas casuales de los ricos brítánicos. Es imoportante ver como se adapta el guión de una manera natural dentro de la historia, dejándonos enfocados en cada sutil comentario. Por momentos ridiculiza mediante una fina sátira los elementos que sustentan las clases altas en el mundo y específicamente en la Gran Bretaña.

La historia tiene elementos que van sugiriendo un final inesperado a cada momento. Es la incursión de un tenista irlandés como profesor a un club de tenis para la alta sociedad en Londres. Debido a su cultura y elegantes modales logra tener como amigo a un alumno, quien le presenta a su hermana de forma casual. Una hija de un gran empresario, la cual muere de ganas por vivir un romance que le de estabilidad cotidiana e hijos a su vida (lo que llamamos matrimonio rutinario) . Su amigo tiene una sensual prometida que busca ser actriz, pero no ha tenido mucho éxito, debido a su mediocridad. Y es ahí donde comienza un triángulo amoroso que cruza deseos sexuales con un cómodo porvenir. Podemos ver que tan lejos estamos dispuestos a llegar por buen sexo y satisfacer una atracción animal o por una vida llena de lujos que nos pide nuestra existencia a cambio. La historia llega a su climax a la hora de elegir entre estas dos maneras de vivir.

Aquí es donde el título en inglés de la película nos expone el destino como un punto para partido(Match ponint) en el tenis. Una pelota a la hora de rozar la red, puede caer en cualquiera de los dos lados de la cancha. A unos les toca perder y a otros ganar. El planteamiento que genera Woody Allen de las pequeñas redes de sucesos que van conformando nuestro destino es fenomenal. Y es un claro ejemplo de como es la vida, donde mucha parte del éxito de las personas se da por insignifacantes coincidencias de cualquier tipo. Woody Allen nos hace pensar que muchas veces hay quienes por un simple soplo del destino conservan sus aspiraciones y otros las pierden por el detalle más significante que dejaron ir de lado.

La fotografía sin duda alguna nos hace meternos a la ciudad de Londrés, donde admiramos diferentes calles y el bello río Támesis. Todo esto acompañado de los grises y lluviosos días que se presentan gran parte del año. La actuación que otorgan los actores es bien llevada y con una selección de personajes muy coherente para cada papel. Creo que si no han visto la película y ya agotaron sus demás opciones tomen en cuenta mi recomendación.

La dirección del trailer es la siguiente

www.apple.com/trailers/dreamworks/match_point/trailer

Calificación: 9.0/10 puntos.

It's not who you are underneath, it's what you do that defines you.

- Batman Begins-