Sideways (Entre Copas)

Actors: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh, Marylouise Burke

Director: Alexander Payne

Año: 2005

Una metáfora llena de humanismo que nos envuelve en una comedia dinámica y conmovedora. Sideways es sin duda alguna una combinación de dos personajes que logran compenetrarse de una manera única. Miles es un escritor jamás publicado, el cual es enólogo por convicción. Este escritor busca llevar a su amigo Jack, quien es actor a su último viaje como soltero días antes de su boda. El viaje estaba planeado como un tour enológico y de buen comer. Acompañado por un poco de golf y descanso. Su compañero más bien buscaba una última oportunidad de reventarse y experimentar la soltería con el sexo opuesto. Sin duda alguna el personaje de Miles es más desarrollado y profundo. Ya que carga varios complejos y malas experiencias de vida. Un divorcio, fracaso laboral, fracaso en el plano sexual y familiar. Con todo esto nos conmueve con su profunda filosofía y manera de afrontar la vida acompañado del vino como lo único que le da placer. A lo mejor es un alcohólico, pero creo que la cinta no tiene nada que ver con Adios a las Vegas con la manera de beber del protagonista.

Es importante ver como manejan dentro de la cinta distintos tipos de uva, regiones y algunas casas. Así nos adentran y contagían de la manera de disfrutar una copa. Se incursionan en Santa Ynez Valley en California, donde existen viñedos al por mayor y pequeños pueblos con excelentes restaurantes. Vemos la antitesis del hombre extrovertido y chocan de una manera cómica y contundente. Es así como se hace un análisis de los distintos complejos que guarda el género masculino en mayor o menor proporción. Riéndonos de la exageración o minimización de lo que muchos sentimos en ciertas situaciones. El guión es excelente y de una profundidad que no percibimos de momento sino hasta varios minutos después de ver la película.

El personaje de Jack de igual manera es una exhibición de lo que el hombre es por dentro en ciertos momentos. Así como la total extroversión animal que guarda. Es sin duda un análisis bastante preciso de lo que el hombre posee como cualidades y defectos. Anhelos y frustraciones. Deseos y complejos. La aceptación y el rechazo. Creo que es una película que nos distrae de la realidad por un momento y nos pone en un tour enológico junto a los protagonistas.

La fotografía cumple con las expectativas, acompañada de una iluminación natural que nos deleita en los paisajes. También los cuadros guardan cierto encanto con tomas lejanas o con un acompañamiento de los sucesos experimental. El desarrollo de los personajes como ya mencionamos es fenomenal en el caso de Miles. El contenido psicológico es sobresaliente y mencionar el toque del director en la selección de vinos y uvas que hace para la cinta.

Calificación: 8.2

Hable Con Ella

película.Actores: Javier Cámara, Darío Grandineti, Leonor Watling, Rosario Flores y Mariola Fuentes

Director: Pedro Almodóvar

Año: 2002

Sexo, homosexualidad, enfermedad, dolor y pasión; Sí , es otra película de Almodóvar que busca indagar en la naturaleza humana de la manera más honesta. Con base en un desarrollo de personajes amplio y con características detalladas nos da un mensaje directo de amor. Tenemos una mujer torera, llena de carácter y un hermafroditismo que conquista plazas enteras. Un enfermero virgen que jamás ha sido correspondido afectivamente por nadie. Un escritor argentino que vaga por el mundo con un corazón roto. Y una bella bailarina en coma que nos conquista con la silueta y expresión inmóvil de su cuerpo desnudo.

Se hace una crítica al hombre en cuestión de su trato a la mujer. Y el como hoy en día muchas relaciones no saben hablar, tocarse o incluso mirarse. Utilizando como ejemplo la situación de una mujer en coma. Vemos como es perceptible el vínculo amoroso a través de estas pruebas que puede poner la vida. Para un enfermero enamorado desde hace muchos años de una mujer que prácticamente nunca conoció. Y nada correspondido debido al estado en el que se encuentra la joven amada. Este enfermero escucha, platica, vive y cuida con pasión cada momento de su amada. Mientras que en la relación del periodista y la torera simplemente ni se tocan. Es así como se percibe el desamor y la falta de fuerza en su relación.

La historia de cada relación nos la van contando de una manera parabólica y con una secuencia limpia y entendible en cada cuadro. El guión es una de las grandes fortalezas que tiene la trama y es el pilar hacia una historia encantadora. Que polémicamente defiende una patología que engrandece un amor no correspondido y más aún, justifica un cálido romance hacia alguien que se encuentra en estado vegetal. Y lo más irónico es que lo hace parecer válido ante la inocencia y pureza del enfermero. Para lo que a muchos es una enfermedad psicológica, para otros es la más bella historia de amor.

La escenografía es estética y similar a muchas películas de este director. Podemos ver el toque de su equipo. Que a través de la sencillez logran llevar totalmente nuestra atención hacia los sucesos. Almodóvar ama al ser humano con todos sus defectos y cualidades. Y en sus propios defectos encuentra cualidades bellas. La honestidad de las emociones humanas cautiva en cada momento. Así como el buen trabajo de la mayoría de los personajes principales y secundarios. La amistad de un periodista sumamente racional con un enfermero desadaptado en una urbanidad madrileña genera la sensación de una igualdad en sus almas, con una diferencia en la manera de expresar sus emociones. Así como de racionalizar la vida.

Como nota final es importante apreciar el cortometraje mudo y muy surrealista que tiene la película. Así como ver el tributo que le hace a grandes artistas españoles en él. Un hombre diminuto recorre el cuerpo desnudo de su amada. También nada dentro de una vagina gigante para su tamaño. Culmina el amor que siente hacia su bella mujer con un orgasmo.

Calificación: 8.9

Raging Bull

Actors: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent y Nicholas Colasanto.

Directors: Martin Scorsese


Año: 1980


Una gran obra de los ochenta que nos narra la vida de un boxeador paranoico viviendo en una espiral de autodestrucción durante los 40's y 50's. Es así como en esta cinta podemos ver a un Scorsese en su plenitud, brindando un cine dinámico y que juega con las emociones del espectador. Escenas en el ring llenas de expresión, batallas de coraje que son el medio de explosión patológica de Jake LaMotta(Robert Deniro). Este boxeador ha sido un personaje detalladamente creado y estudiado para su interpretación. Es sin duda alguna un trabajo en conjunto de dirección, guión y actuación sublime. Ya que en pocos minutos nos empapamos de cada virtud y defecto del protagonista.


Jake LaMotta es un joven boxeador de ascendencia italiana que ha luchado para tener prestigio en el medio. Su hermano es quien ha ido llevando la dirección estratégica de su carrera. Jake es impetuoso, explosivo y agresivo. Con una patología muy notoria desde la infancia, que le impide tener relaciones de pareja funcionales. Sin duda alguna una persona insegura que lo refleja con celos extrapolados hacia su bella mujer. En esta película se aprecia el levantamiento y caída de un boxeador sin clase. Una personalidad desadaptada y violenta son la constante en el manejo de la trama, ya que en cada escena se espera el choque entre implicados. Aquí se puede analizar el fuerte vacío que carga Jake y lo refleja teniendo conflictos con las personas que más lo aman. Es así como se va gestando una soledad que aterra y una vida decadente.


La fotografía es limpia y llena de noción de cuadro, lo cual hace muy atractiva a la vista cada escena de la cinta. La actuación de Deniro es sútil y bien lograda en todo su estilo de italiano del Bronx. La trama fue apegada a la novela original, que va llevando año tras año la vida de Jake. Los actores secundarios generan una atmósfera agradable y que tiene realismo. Las escenas del cuadrilatero tienen todo el toque del director, quien nunca puede pasar por alto salpicones y chorros de sangre. Es una violencia de calidad y logra el cometido de brindarnos entretenimiento con tonos de arte.

Es muy importante notar el ambiente latino en Nueva York lleno de ese valor por la famlia y ese respeto simulado hacia la mujer. Es de esta manera como en una sociedad de hombres se gesta una de las historias de boxeo más honestas y llenas de carga emocional (nada que ver con el americanismo de Rocky) . El conflicto entre hermanos, problemas de pareja desencadenados de su total patanería y la decadencia laboral de quien vivió de la fama del boxeo. Nos tienen una mezcla de elementos que generan una trama de alta calidad. Si vieron los inflitrados es importante ver la decadencia del director en los días actuales. Ya que busca cuadrar su estilo en un refrito americano. Donde se pierde la autenticidad del director, así como vemos una influencia de las grandes casas productoras en la ideología de la trama y el manejo de las circunstancias históricas. Sin demeritar a la cinta, la cual tiene su lado positivo como una obra que ha logrado llevar el tema de la mafia contemporanea de una manera agradable.

Calificación 8.9

Doctor Zhivago

Actores: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Rod Steiger y Alec Guinness

Director: David Lean

Año: 1965

Una cinta polémica en su tiempo, ya que es presentada durante la Guerra Fría. Se busca anunciar y señalar el fracaso del sistema comunista en Rusia. Así como presentar la corrupción, violencia y represión que vivieron los rusos de esa época. Esta novela ganó el premio Nobel, el autor no pudo recibirlo debido a las políticas internas de su país. También es importante ver el enfoque americano hacia un país con el que andan en conflicto. En este blog no defendemos el comunismo en ningún sentido, pero es un hecho de interés ver como el cine ha sido utilizado para defender posturas. Siempre hay malos para Hollywood, y el cine ayuda a justificar la razón de la enemistad (alemanes gritones, rusos asesinos, árabes terrositas, latinos corruptos, coreanos piromaniacos). Y todo se adapta acorde al tiempo que vivimos, ya sea Segunda Guerra Mundial, Tensión militar con China,

La historia de un médico/poeta que se enamora de dos mujeres en la etapa de transición del imperio ruso hacia el régimen comunista. Este médico a través de sus fuertes principios y vocación cautiva a estas dos bellas artistas. La historia nos delata como la revolución rusa les quita el estilo burgués de vida a la clase acomodada, así como la persecusión hacia este admirado médico/poeta debido al contenido emocional de su obra. Durante estos dos acontecimientos el Dr. Zhivago está acompañado por alguna de sus dos amadas. Una es su esposa, la cual lo ama de manera apasionada. Y la segunda es esposa de un conocido general bolchevique, quien se resiste en primera instancia a vivir un cálido romance.

La película tiene una duración de 200 minutos, así que hay que verla con calma. Es una de las joyas de la época dorada de Hollywood, debido a su calidad en guiones, escenografías, actuaciones y vestuario. Es un cine poético, que nos deja todo sutilmente dicho con cuadros representativos de cada acontecimiento. La edición es de vanguardia para la época, ya que se combinan paisajes con escenas de forma imperceptible. La famosa música de balalaika es realmente un clásico y nos conmueven con el sufrimiento de toda una nación. La nostalgia y el mover las fibras sencibles son una constante dentro del filme. Es interesante como abordan el tema de la infidelidad como una circunstancia. Así como lo vanal y absurdo del poder o el dinero ante el amor verdadero. Aunque es un cuento de hadas y las personas por amor aguantan los más duros sufrimientos sin decir ni una vez "fuck" o "shit". Ver esta película es un viaje al cine de calidad y el romanticismo de aquellos años que no volveran. Escribí sobre una película vieja, ya que es importante siempre invitar a cautivarse con este tipo de películas que jamás pasaran de moda.

Calificación: 9.3

The Departed (Los Infiltrados)

Actors: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg y Martin Sheen.

Director: Martin Scorsese

Año: 2006

Una vez más comienzas a leer una reseña crítica de Cineideas, no encontrarás mucha información sobre la trama, pero será de mayor interés el ver aspectos fílmicos notables. Tanto los negativos como los que le dan un gran toque a la cinta.

Los infiltrados es un remake (refrito) de una película asiática. Aquí lo sobresaliente es la concepción que tiene un gran director como Scorsese sobre la historia. Los razgos clásicos de Taxi Driver se pueden ver en esta cinta. Añadiendo una evolución y tendencias actuales en el trabajo. Podemos presenciar un manejo de la violencia sutil durante casi toda la duración, excepto en el final. Realmente es aquí donde para muchos será una de las grandes películas de gangsters o una película que no fue magistral en todas sus etapas.

Dos jovenes entran a la policia en Boston, cada uno con un objetivo muy claro. Uno es un miembro de la mafia que busca facilitarle las cosas a un grupo de gangsters irlandeses. El otro es un policía sin perfil que tiene que ser un agente encubierto en la mafia y hacer lo posible por acabar con la banda. Es así como se genera un cruce de infiltrados que buscan cumplir su misión. La historia es muy interesante y te mantiene al filo de la butaca practicament toda la película. La fotografía es muy agradable y se tienen movimientos de cámara elegantes.

Es importante ver las actuaciones. Jack Nicholson ya tiene muy trabajado a ese maniático con todo el sentido del humor. Es así como no nos sorprende con su gran capacidad y logra una actuación sumamente divertida y trabajada. Existen policias que realmente toman el papel de lleno y lo realizan magistralmente. Podemos definir que el manejo de historia y las actuaciones son un punto dominante. La fotografía es buena y bien establecida pero no logra ser sobresaliente. El guíon es formidable, irónico, crudo y muy inteligente. Realmente las conversaciones que se tienen son para reir y pensar todo el tiempo.

La edición es buena, sin ser magistral. La música tiene un buen toque de rudeza y rock and roll. Vemos cortes drásticos de sonido que nos meten de golpe a la secuencia de la historia. A muchos no les agrada ese tipo de cortes de música. Ahí es cuestión de gusto, pero no podemos negar que la selección es formidable. El tema de la violencia es todo un concepto, aunque llega a ser hasata cierto punto muy explícita. No se puede definir hasta que punto tantos tiros de gracia son arte o una obscenidad. A mi gusto es totalmente satírico, pero si es importante advertir sobre el drástico final. Ya que es habitual en este director ver las panatallas escurrir con sangre. Para muchos será esta cinta un clásico contemporáneo de las películas de mafia.

Calificación: 8.5

Babel

Director : Alejandro González Iñárritu
Guión: GuillermoArriaga

Música: Gustavo Santaolalla
Fotografía: Rodrigo Prieto

Actores: Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael García Bernal, Jamie McBride, Kôji Yakusho, Lynsey Beauchamp, Paul Terrell Clayton.

Es la última cinta de una trilogía, trabajo que logra un resultado impecable. Tenemos a un director que ha sabido desprender de un gran guión una película que cumple con un equilibrio fílmico de cada elemento. De esta manera se tienen actuaciones, fotografía, edición y una cronología dinámica e inteligente. Es importante mencionar que Babel es un grito humano que pide un rescate ante la deshumanización y más que nada es el choque de ignorancia entre culturas. Esta ignorancia refleja un miedo que genera discriminación y la autodestrucción del genero.

Podemos ver cuatro historias, que al más puro estilo del director se relacionan entre sí de una manera sutil. Es la historia de un matrimonio americano que viaja a Marruecos, dejando a sus hijos con una niñera mexicana circunstancialmente irresponsable. Esta pareja al entrar por Marruecos sufre un accidente ocasionado por dos niños árabes que de manera de juego aprenden las repercusiones de utilizar armas irresponsablemente. Ellos recibieron un rifle procedente de un cazador japonés el cual tiene una hija sordomuda que busca ser aceptada en un mundo que no la comprende.

La actuación de la niñera mexicana es impresionante y logra ser de lo más sobresaliente en actuación. También nos transportamos a una típica boda de rancho que impacta con alegría a todos los presentes, especialmente a los dos pequeños "greengos" que pensaban que México era muy peligroso. Vemos un Marruecos que conquista con su folclor único y contrastante con occidente. Algo que es impresionante son las locaciones, ya que nos transportamos a lugares maravillosos de una manera diferente. El director nos pone en el sentir de cada personaje. Así como podemos revivir una fuerte angustia en cada momento. Vemos un Japón que se comienza a perder en un mundo sumamente urbano, y que incluso dentro de cada cultura existe una indiferencia total hacia el prójimo.

Se hace un planteamiento muy interesante sobre el miedo que tenemos hacia lo que no conocemos, así como una falta de interés por entender el corazón de otras personas. La fotografía es todo un recorrido bellamente realizado por el mundo. La edición y cronología generan un cine dinámico e inteligente, dando brincos entre los lapsos de tiempo y las historias. La música es algo que nos cautiva y nos mete directamente a cada escena de tensión y fuerte contenido humano. Vemos un Pitt lleno de arrugas y canoso que logra transmitirnos la desesperación que vive en cada momento, así como su impotencia de comunicarse con una cultura diferente. De tal manera vemos una adaptación al cine mágica, que acompañada de actuaciones limpias se genera una de las mejores películas de este año.

Terminamos esta reseña aclamando el título que sin duda alguna es una analogía con el mundo actual. Vivimos en una torre de Babel, donde no nos comprendemos y nos alejamos cada vez más de vivir en una comunidad positiva para el hombre. Es algo realmente impresionante salir del cine con una fuerte reflexión que vamos directamente hacia una institucionalización de la discriminación. Quizás nos entenderíamos mejor sin utilizar tantas palabras y más anteponiendo el corazón.

Calificación 9.4

Película Atlantic City : Reseña

Actores: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Michel Piccoli, Hollis McLaren y Robert Joy.

Director: Louis Malle

Año: 1981

Sin duda alguna una película que logra transmitir una época y una ciudad a través de un inspirado director francés. Podemos ver un cine lleno de pudor que cautiva y cuadros que buscan embellecer cada suceso dentro de la cinta. De esta manera nos llevan a Atlantic City que se encuentra en una caída como ciudad. Esto a causa de la consolidación de Las Vegas y la competitividad turística en los 80's. Es de esta manera como se logra generar todo un ambiente de melancolía y añoranza por una vida gloriosa en el pasado.

Todo comienza con una jóven divorciada que busca ser algún día una croupier de casino. Es así como afronta una dura vida en una ciudad que le genera cierta repulsión por su olor y categoria. De esta manera llega su ex esposo, el cual huyó con su hermana tiempo atrás. Esta pareja necesita hospedaje y alimentos. Dejando a un lado el orgullo los recibe y afronta un terrible momento debido al nuevo oficio de su ex esposo.

Así es como se topa con un vecino el cual siempre la observó. El vecino aprovechando una oportunidad accede a una vida pasajera de lujo. De esta manera trata de adoptar una pose de galán ante la joven interpretada por Susan Sarandon. No soy ningún admirador de su trabajo, pero creo que es de lo mejor que le he visto. Considerando su corte comercial como actriz. Es interesante ver como choca el pasado de este hombre con el nuevo Atlantic City. También es importante apreciar ese intento de ser un hombre que sepa proteger a una mujer, ser un hombre exitoso y ser admirado por los demas. Es de esta manera como se crea una historia que expone la realidad de muchas personas que estuvieron en aquella ciudad en ese tiempo.

Es importante ver la actuación de la vieja que es cuidada por el viejo hombre. La fotografía es muy anticipada y el dinamismo de la edición es convencional. Justo como se hacía en esos años. Tiene un corte característico de la tendencia de hacer cine en la época. Es muy rescatable la historia como todo un eje que brinda buenas actuaciones. Así como se expone de una gran forma el contenido humano de cada personaje. El director sabe llevar de escena en escena a cada actor, pero con una ligera deficiencia, ya que el guión de cierta manera parece ser teatral y muy ríspido. Pero no podemos demeritar esta cinta que realmente nos hace sentir dentro de una ciudad en decadencia y viviendo una vida con un futuro no muy claro.

Calificación: 8.3

En el Hoyo

Director: Juan Carlos Rulfo

Guión: Juan Carlos Rulfo

Actores: Isabel Dolores Hernández Chabelo o El Chaparro, José Guadalupe Calzada El Grande, Agustín Zárate Centeno, Natividad Sánchez Montes.
México 2006

Una radiografía nítida sobre lo que hay detrás de una obra como el segundo piso del Periférico de la Ciudad de México. Se enaltece la cultura y picardía mexicana de los empleados de la construcción. El albañil, el herrero son exhibidos como grandes genios del albur y la ocurrencia cotidiana. Así como se expone una realidad habitual que el mexicano sabe soportar con esfuerzo y buena cara. Nuestra raza, el sostén de un país como México recae en el grueso de su población, que son personas de trabajo y que han sufrido los resultados de los enfoques políticos y económicos de los gobernantes.

Apreciamos un documental que a través de su fotografía nos introduce a los diferentes escenarios de la obra de una manera soberbia. Es sin duda un gran trabajo que busca regresar a un cine real y espontáneo. Al cine cotidiano y al entretenimiento con sentido. Evade el tema político que existe alrededor de la obra y se enfoca en brindarnos anécdotas, bromas y comentarios auténticos de los responsables de la misma. La edición de imágenes es de vanguardia y las tomas por la noche nos contagían ese sentimiento de una urbe en movimiento eterno.

Con base en entrevistas nos van contando un poco de la historia de cada protagonista que se encuentra en la película. Así como cosas habituales; su comida o incluso sobre su lugar de origen. Es así como vemos un México real. La película está bien lograda y se basa en diálogos espontáneos, de esta manera se logra un documental que ha sido reconocido en distintos festivales de cine independiente. La música son sonidos urbanos que tratan de impregnarse al contenido visual de concreto y fierros.

Calificación: 8.3