Death Proof (Grindhouse)

Actores: Kurt Russell, Rosario Dawson, Rose McGowan
Director: Quentin Tarantino

Año: 2007

País: E.U.A.

El género Grindhouse de los 70’s es retomado de manera magistral por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez en esta doble producción (Death Proof y Planet Terror). Evocando a las películas que incluían una dosis de terror y sexo hechas de una manera un tanto burda. Así como proyectadas en lugares llamados de la misma manera Grindhouse. Unos dicen que este nombre surge por la palabra Grind (frotar, moler), que eran antros donde se bailaba un estilo de baile un tanto obsceno y terminaron por ser lugares de proyección fílmica. Otros simplemente por la manera de proyectarse, así como se podían ver varias películas en una misma función y con trailers en los intermedios. Incluso la cinta Death Proof fue ensuciada y añejada un poco para darle ese efecto de una imagen con líneas y un audio que se repite u omite. Así como se realizaron una serie de trailers sobre películas falsas de manera bastante creativa. El arte que encierra es curioso y a través de sus posters publicitarios, trailers y tipo de lugar donde se exhiben son un viaje al pasado que nos deleita y emociona en sus 24 cuadros por segundo.

Homenajeando a Vanishing Point (1971) vemos la historia de Stuntman Mike, un original y bien estructurado personaje que asesina jóvenes mujeres utilizando como arma su Dodge Challenger 1970 diseñado para acrobacias en cine o T.V. Con una actuación formidable de Kurt Russell vemos un retirado acróbata sacado del pasado que busca saciar su sed de adrenalina y sangre. Con un perfil muy peculiar para hablar, sonreír y acosar a sus presas de muerte. Cazando sutilmente a sus víctimas y utilizando a tope la velocidad de su terrorifico auto. Un punto de lo más rescatable es que para la cinta se contrataron a leyendas de la acrobacia automovilística generando acción en vivo. Es decir los efectos por computadora en las escenas fueron mínimos. En cada momento se estuvo arriesgando algún piloto en el aire o dando giros. Dándole un realismo único a las escenas de persecución y velocidad. De esta manera Stuntman Mike utiliza sus habilidades a tope para poder asesinar y sobrevivir de algunas víctimas por lo general muy sensuales.

Como toda película de Tarantino vemos diálogos sinceros, honestos y directos (por no decir muy ocurrentes y crudos) que le dan un valor agregado a la acción que vemos en pantalla. Con unas conversaciones casuales entre mujeres que realmente captan nuestra atención debido a la naturalidad y buen manejo de la actuación. A pesar de ser una cinta de miedo u acción se genera un concepto digerible, dinámico y lleno de emoción. Creando un cine simple y equilibrado que nos deja con una gran sensación al final. El soundtrack es genial, lleno de energía para el acompañamiento de cada escena. Dándole un énfasis a cada escena que vemos en pantalla. No es una película que busque englobar o revolucionar dentro del cine, sino más bien un experimento divertido que logra entretener al público. Logrando el cometido original del cine con un toque vanguardista a pesar de retomar una tónica del pasado.

La fotografía fue realizada por Quentin Tarantino, esta es su primera vez como encargado del área visual. Realmente nos otorga muy buenos cuadros, así como un seguimiento preciso de la acción. Con un toque realmente bárbaro, creo que genera un arte lleno de tonos, color y mensaje a través del lente.

Calificación: 8.4

Thank you for Smoking (Gracias por Fumar)

Actores: Joan Lunden, Eric Haberman, Aaron Eckhart, Mary Jo Smith, Todd Louiso

Director: Jason Reitman

Pais: EUA
Año: 2006

Monólogo cínico que desencadena una severa problemática al debatir lo que es ética comercial e informativa. Un viaje por el mundo de los intereses de las grandes compañías que mueven la economía americana. Profundizando en la industria del cigarro como un emblema de mortandad entre sus consumidores. Así como el obstinado ataque de idealistas que luchan por extinguirlo. Aquí se entra en la fuerte lucha de poder y dinero porque el mercado siga siendo rentable a pesar de impuestos y restricciones de venta. También se exhiben los sutiles (maquiavélicos) planes para promover el consumo y defenderlo.

La historia es narrada por el protagonista, quien es un vocero de la industria cigarrera americana. El tiene el bello trabajo de defender a capa y espada cualquier ataque que perjudique los intereses de sus jefes. Es así como tiene que dar la cara en los medios y parlamento para poder defender un producto que envenena a quien lo consume. Utilizando sus habilidades únicas para debatir y argumentar va teniendo un gran éxito en disuadir varias campañas anti-tabaco. El tiene que sufrir el repudio social e incluso el familiar. Exceptuando el de su hijo quien parece seguir sus pasos y admirarlo de sobremanera. Es así como el forma parte de una logia de muerte con los voceros de alcohol y armas, donde cínicamente discuten sobre lo duro que es defender industrias tan perjudiciales para la comunidad. Como todo vocero sufre de amenazas y presiones desde todos los sectores, poniendo a prueba su tolerancia y habilidad persuasiva a cada momento. Pero como todo hombre puede tener su talón de Aquiles y ser llevado al límite de sus capacidades.

El guión es la directriz de la cinta, el cual se logra compaginar con actuaciones creíbles y congruentes. De esta manera generando una postura objetiva de la problemática que se toca durante toda la duración. El debate ético es realmente bien manejado, siendo por momentos satírico e irónico. La fotografía es digna, acompañada de una edición sobria que le da formalidad a los cuadros. Estamos ante una película que transmite un mensaje con arte y originalidad. El toque de humor negro es muy bien manejado, cosa que aún más enaltece su completo guión.

Calificación: 8.0

The Machinist (El Maquinista)

Actors: Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, John Sharian, Michael Ironside
Directors: Brad Anderson
País: España
Año: 2003

Un viaje al subconsciente con una total influencia en Dostoevsky. Creando un ambiente oscuro y tétrico del sentimiento humano. Desmembrando una esquizofrenia decadente y misteriosa durante el recorrido fílmico. Es de esta manera como nos encontramos en una cinta hecha en España, que aparenta estar en Estados Unidos. Así también sobresaliendo la Actuación de Bale, quien tuvo que bajar 30 kilos (aprox) para poder filmar la película (4 meses comiendo una lata de atún y una manzana), crea un personaje introvertido, extraño que no logra encajar con su propia realidad. Amigo de prostitutas y operador de una máquina dentro de una triste fábrica.

La película comienza con un demacrado Bale, quien vive una vida llena de soledad y extraños hábitos. Sin duda alguna una vida depresiva y autodestructiva. Con fuertes símbolos del novelista ruso, se pasan meses sin dormir ni comer. Es de esta manera como entre recuerdos y extraños periodos de surrealismo (o mera locura) se va descifrando la raíz de una peculiar enfermedad mental y deterioro físico total. Se genera un personaje Ivan, quien es un reflejo de su verdadero sentir. El cual lo va llevando a descubrir lo que le ha quitado el sueño y hambre por meses. Conociendo personas inventadas o reales, vemos una película que juega mentalmente con el tiempo y la mente magistralmente. Envolviéndonos en ese ambiente de estrés, locura e histeria.

Poco a poco el personaje principal va siendo consumido por su misma mente. Llevando a pique su vida social y laboral. Lo importante dentro de la trama es descifrar lo que guarda en su corazón y mente. Vemos una cinta con un contenido profundo, siendo complementado por un fino trabajo técnico de fotografía y edición. El cuan sin ser pomposo llena de buenos cuadros la pantalla. Así como una selección correcta del ambiente de luz. Ya que nos meten de lleno al ambiente buscado por el Director. El guión es sólido y la dirección se mimetiza a través de actuaciones sencillas pero sustanciosas en calidad. Un trabajo que amerita verse como un concepto que transforma contextos y pensamientos por instantes.

Calificación: 8.0

Buena Vida (Delivery)

Actores: Ignacio Toseli, Mariana Anghileri, Oscar Nuñez, Alicia Palmes
Director: Leonardo Di Cesare


Año: 2004


País: Argentina

La temática económica y social de la Argentina sigue siendo la actual constante en el mundo fílmico del país. Ahora vemos una cinta que enfatiza la manera de afrontar la crisis en algunas familias y personas en situaciones un poco más extremas. Bastante triste ver individuos orillados por la desesperación y hambre a usurpar lo poco que los demás tienen. Aunque se aborda de una manera irónica y con una gran sutileza en esta ocasión. Generando un planteamiento suave, pero con mucha picardía del fuerte problema que tienen miles de familias en aquel país. Es importante ver como desarrollan un perfil realista y auténtico del argentino en todo un contexto cultural.

La cinta comienza con un joven llamado Hernán quien se queda solo en su casa por la partida de su hermano a España (buscando mejores oportunidades). Él amablemente y atraído por la belleza de una mujer le ofrece el cuarto que sobra a un módico precio. Y es así como poco a poco se comienza a generar una relación afectiva-sexual entre ambos. Hasta que un día la familia de esta chica llega pidiendo alojamiento supuestamente por una noche. Poco a poco la familia comienza a apoderarse de la casa, deteriorando la relación de Hernán. Llegando al punto extremo de que su casa se convierte en una fábrica de churros llena de bolivianos o peruanos. Lo importante de la cinta es ver todo el concepto social y el toque especial para manejar cada situación.

La dirección es magnifica, ya que va llevando al observante de la mano por cada etapa de la historia. A partir de una situación engorrosa se genera todo un proyecto simple, pero muy contundente. Desarrollando un cine completo y equilibrado, a pesar de la falta de tecnología dentro de sus cuadros y edición. Demostrando una vez más que el cine se centra en sus pilares fundamentales como guión y dirección. Complementándose sutilmente por una fotografía muy digna. Es así como una vez más vemos cine argentino de muy alta calidad y que pone en alto el concepto visual del país. Con un título contradictorio, haciendo referencia a la compañía donde labora Hernán vemos como la buena vida argentina se ha demacrado paulatinamente hasta llegar a lo que hoy vemos.

La actuación del padre de la chica es fenomenal, creo que es un personaje fino y bien desarrollado. Es de los aspectos más cómicos dentro de la cinta, así como todo un marco referencial de lo que la cinta busca transmitir. También se toca el tema de la relación de pareja y la psicología femenina dentro de las diversas combinaciones amorosas que se pueden brindar. Siendo detalles secundarios, pero que le dan un valor agregado a la problemática general de la película.

Calificación 8.8

L' enfant (El Niño)

L' enfant

Actores: Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet.

Directores: Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne.

País : Bélgica – Francia

Año : 2005

Un relato crudo que descifra lo absurdo de ser adolescente e ir afrontando las responsabilidades que conlleva la vida. En la actualidad el problema de embarazos prematuros afecta comunidades alrededor del mundo. En esta cinta nos exponen la situación de una joven pareja de la clase baja europea que tiene un hijo. Hoy en día es más común ver un fuerte deterioro de los valores y medios para subsistir en un planeta de pocas oportunidades. Las generaciones nuevas se ven obligadas cada vez más a extralimitar sus opciones y la mayor parte de las veces tomar decisiones inadecuadas. Así como nos plantean un reflejo de la crisis en Europa en cuestión social. A pesar de ser un continente con vanguardia humanística, el mundo global carece de un sustento de vida digna para la generalidad.

Una pareja de adolescentes tiene un bebé el cual parece no ser bien recibido por su padre. Este joven vive de lo poco que roba con sus pequeños secuaces y de manera irresponsable pasa la vida recorriendo las calles de su ciudad. En un intento desquiciado por tener algo de fortuna intenta poner en riesgo al bebé a cambio de unos cuantos euros. Es así como el joven entra en un dilema entre amor-paternidad y el dinero-sin responsabilidad. Tendrá que ajustar después un par de cuentas con mafiosos que le complicarán la vida hasta que no salde su deuda.

No me gustaría concentrarme tanto en la trama, puesto que es bastante sencilla. Y pocos detalles desnudarían el final. Lo que para mi es muy importante en la cinta, es apreciar el trabajo detallado en captar cada situación. Como buen cine europeo vemos close ups constantes. Visualizamos desplazamientos, expresión y choque emocional. La cinta se va desarrollando a través no de alguna problemática, sino de las reacciones y actitudes de los personajes hacia la misma. Teniendo un trabajo sobresaliente en dirección y actuación que logran mezclar una simbiosis de escena. Con una fotografía espontánea nos llevan por los diferentes encuentros personales entre novios, amigos y mafia. Sin un trabajo de edición o efectos especiales. Este cine francés de contenido logra satisfacer el corazón a pesar de la común lentitud de dinamismo que genera el enfoque del director. Con esto quiero decir que la cinta es un viaje por las reacciones y actos de un joven, siendo por momentos lenta. Pero como un cine fino y cargado logra superar las barreras de lo cotidiano y generar un proyecto de esencia profunda.

No hay mejor momento en el cine que observar un trabajo honesto en pantalla que simpatice entre todos sus elementos. A pesar que no maneja una vanguardia tecnológica, en el fondo y en la forma vemos un gran manejo del arte. Guión, dirección, actuación como pilares de un contexto artístico equilibrado.

Calificación: 8.4

Lady Vengeance (Sra. Venganza)

Actores: Yeong-ae Lee, Min-sik Choi, Seung-Shin Lee, Hye-jeong Kang, Yea-young Kwon.

Director: Chan-wook Park.

País: Corea del Sur.

Año: 2005

La perfecta bitácora de una venganza impactando cada punto fílmico con sutileza y poder. Como su predecesora Oldboy tenemos ahora todo un thriller que va desnudando motivos y sentimientos minuto a minuto. Siendo este un trabajo visual más elaborado. Ya que contamos con perfectos contrastes de color y luz, así como un acompañamiento poético de música y escenarios. Cada detalle fue sumamente cuidado generando un concepto de vanguardia que propone un cine sumamente atractivo. La visión oriental de la vida engloba una magia profunda que es antagonista de una cosmovisión occidental materialista. Entramos en escenas y momentos que van más allá de lo humano trascendiendo a lo espiritual. Pero también podemos entrar en un choque de bien y mal que puede explotar en actos sorprendentemente viscerales.

Todo comienza con la supuesta asesina de un niño, la cual es encerrada por varios años. Conforme se va generando la trama nos van aclarando muchas cuestiones de los motivos por los que fue culpada. Es así como ella dentro de la cárcel comienza a planear una venganza hacia una de las personas que colaboró para que ella ingresara. Una vez que es liberada comienza a maquinarse todo para poder saciar esa hambre de rencor. Dentro de la cárcel es muy interesante el pequeño perfil que se muestra de cada interna. Ya que con personajes creativos y llamativos se expresan distintas situaciones humanas que le dan un complemento original a la cinta. También esta Sra Venganza tiene un hija y se plantea todo el vínculo maternal que ella intenta resucitar. La trama es elegante, puesto que son cintas que piden concentración en los hechos y diálogos para poder ir comprendiendo cada pedazo del rompecabezas que es la historia.

Es muy llamativa la frialdad y calor con las que se manejan muchas de las situaciones en la cinta. Haciendo realmente interesante la actuación de todos los personajes. Así como toda una serie de símbolos y situaciones que tienen un trasfondo de cierta manera mítico. Se manejan preceptos de distintas culturas, haciendo muy rica la visión del director. La fotografía sabe combinar movimiento, luz y sombra. Una edición que es de gran manejo, dándole mucha agilidad a la cinta. Se manejan cambios de filtro y película, esto es de cierta manera un toque artístico. Puesto que cierta parte de la cinta es en blanco y negro y solo se expone el color de lo relevante en ese momento para la historia. Así como dando un mensaje de oscuridad hacia la violencia o de pureza al sentimiento de odio natural.

La película toca el tema de homicidios a infantes, lo cual puede ser fuerte para ciertas audiencias. Algo sumamente desagradable y visceral. Así como se llena de odio la pantalla con el sentir de los afectados. La cinta es el fuerte choque de emociones enfrascadas en un intento por salir de manera explosiva. Con personajes sumamente originales y situaciones adversas a lo obvio o natural. Le da una continuidad a su trabajo anterior de una manera brillante. Complementado la temática y evolucionando técnicamente en su proyectoAunque Oldboy llega a ser mucho más chusca y dinámica

Calificación 8.5

El Laberinto del Fauno.

Actores: Maribel Verdu, Ivana Baquero, Ariadna Gil, Federico Luppi Sergi Lopez

Director: Guillermo Del Toro (México)

Año: 2006

País: España - E.U.A.


La vida como un poema lleno de realidad y fantasía. Generando una historia enormemente bella que nos mete directo a un cuento de hadas único. Vemos el fuerte contraste entre inocencia y pecado. Amor y odio como dos constantes que viven en una simbiosis que hace explicito el triunfo de lo humano. Nos meten en el contexto del final de la guerra civil española de modo contundente. Apreciando lo cruel y extenuante que fue para cientos de hombre y mujeres. Con toda la dureza y frialdad representada por un capitán desalmado que busca exterminar a los pocos rebeldes que quedan en los montes.

La historia gira entorno a una madre y su hija que llegan a un cuartel franquista en las montañas. La madre que es la nueva esposa del Capitán en turno, se ve forzada a dar a luz en donde su marido quiere. Es así como enfrentan todo un choque de violencia y guerra desde cerca. Soportando represión y sufrimiento en cada momento, todo por la sumisión de la mujer a cambio de la seguridad varonil. La hija es una niña soñadora, apasionada de los cuentos de hadas, que por un destino manifiesto llega a una tierra de fantasía y magia. Es aquí donde vemos dos historias en perfecta combinación dentro de la cinta. Por un lado se desarrolla la más cruel de las guerras y por el otro una fábula llena de personajes ficticios y llenos de un misticismo que encanta. Destacando a un fauno que es sin duda alguna un elemento de contraste sobre sabiduría y engaño. Que pone a prueba a la niña, que es supuestamente la princesa de todo un reino.

La niña tendrá distintos retos, tanto en la vida real como en la fantasía. Cada uno poniendo en juego distintas cuestiones en riesgo. Es así como la niña tiene que superar la vida mortal para subsistir en una realidad alterna a nuestro espacio. Mágicamente tiene encuentros con distintos seres que nos evocan el más detallado cuento de niños. Pero que cada frase y comentario van llenos de un simbolismo que enaltecen los valores humanos más profundos. Creo que Guillermo del Toro logra generar una poesía visual que resultará muy difícil repetir debido a lo minucioso y original del trabajo. Resaltando la unión del guión y su adaptación como todo un éxito.

Los efectos especiales, el vestuario y fotografía logran un panorama sobresaliente durante todo el filme. Siendo sumamente grato ir recorriendo la cinta por todos sus ángulos. Es uno de los trabajos visuales más completos que se hicieron en el año sin duda alguna. Así como tenemos que tomar en cuenta el fuerte trabajo de secuencia histórica, ya que la trama es encantadora y llena de carga emocional. Sin dejar a un lado la belleza de las sensaciones que nos genera cada interacción entre personajes. El manejo del humanismo es implícito en toda la trama y los momentos de violencia realmente estremecen contagiando dolor y tristeza. A la hora de hacer cine, un elemento técnico puede dar mucho, pero no existe nada mejor que el transmitir a quien observa un sentimiento. Y creo yo que esta película realmente nos conmueve de inicio a fin.

Calificación 9.3

The Simpsons Movie (Los Simpsons La Película)

Voces: Julie Kavner, Nancy Cartwright, Yeardley Smith, Pamela Hayden, Albert Brooks

Director: David Silverman

País: E.U.A.

Año: 2007

Una de las caricaturas que han acompañado a toda una generación. Muchos la equiparan con Los Picapiedra en años anteriores. Buscando generar un reflejo de la sociedad americana basado en el manejo de problemáticas dentro del momento histórico. Así es como podemos ver toda una parodia política, social y psicológica de distintos perfiles de personajes. Que tratan de generar los principales estereotipos que definen una comunidad. La caricatura a través del tiempo ha sido una bitácora narrativa de la familia americana. Plantea la adaptación a una globalización acelerada que ha traído nuevos paradigmas a lo concebido desde siempre.

Ahora la película es de cierta manera un capítulo extendido como era de esperarse. Lleno de una autocrítica y sin muchas sorpresas. Quizás muchos esperaban ver morir al ratón en un episodio de Itchy y Scratchy o que Magie hablara algunas líneas. En fin las expectativas eran grandes y lamentablemente al momento de hacer la película se ve expuesto el inicio del final de uno de los ciclos más importantes de la animación mundial. Fue un gran negocio sin duda alguna, y bien merecido, ya que tener éxito alrededor del mundo es realmente complicado. Debido a los complejos procesos de tropicalización de contenido y mercadotecnia. La calidad de los dibujos es excelente para estar en dos dimensiones. Y los chistes guardan toda la espontaneidad y creatividad de siempre.

La historia tiene un muy agradable manejo de crítica al gobierno y política americana. Cosa que es de aplaudirse dentro de una cinta comercial. Así como una alerta del estado crítico ambiental. La trama comienza con las típicas imprudencias de Homero Simpson que en esta ocasión generan un impacto mundial. Pone en dificultades a toda la Ciudad de Springfield. Homero se ve forzado a elegir entre dejar a un lado el egoísmo o abandonar a toda la gente que lo ha acompañado durante ya varios años. Como pueden ver es una trama totalmente simple, pero lo importante es enfocarse en el contexto y no en la historia argumentada.

La aprecié en español y el doblaje es apropiado, aunque algunas voces fueron diferentes a las de la serie en televisión. El guión es bastante cómico y lleno de picardía, aunque a veces las bromas rayan en el cliché de la serie. La historia pudo haber tenido una mayor impacto en la vida de todos. Puesto que después de la cinta parece que todo volverá a ser exactamente igual. Algo parecido a la serie, donde los cambios más abruptos al final no generan una repercusión en capítulos posteriores. En resumidas cuentas la cinta no fue menos, ni más de lo que yo esperaba. Pero si creciste con la serie o la has visto desde hace tiempo es inevitable ir al cine.

Calificación 7.8

Palindromes (Palíndromos)

Actores: Matthew Faber, Angela Pietropinto, Bill Buell, Emani Sledge y Ellen Barkin

Director: Todd Solondz

País: EUA

Año: 2004




Un viaje por la mente del director que nos llena de todo un concepto de vida bastante propio y tétrico. El director ha ido evolucionando girando entorno a una generalidad de la patología humana. Especulando y acertando en las máscaras sociales que tenemos, así como las diversas perversiones que se encuentran en el mundo. Definiendo a cada individuo como un ser sexualmente único y con un pasado que ha creado su realidad enferma o sana desde la perspectiva de los demás. Una hipocresía social abrupta que inunda cada círculo humano. Así como el declive y constante falta de respeto a la infancia. De igual manera justifica y expone el impulso sexual-maternal entre menores de edad. Al ser visto en pantalla puede generar cierta repulsión por algunos debido a la sinceridad de su propuesta. Así como la naturalidad que lo distingue en el manejo cínico de problemáticas realmente polémicas.

Entramos en un mundo de abortos y diferencias físicas entre seres humanos. Así como la lucha constante entre los grupos conservadores y las personas que apoyan las prácticas clínicas para evitar embarazos nos deseados. Donde en ambas partes hay incongruencias e ignorancia. Así como nos metemos de lleno a la vida íntima de una familia llena de un alejamiento emocional. De igual manera saturada de la problemática mental, que repercute directamente en su hija. La cual tiene el deseo ferviente de ser madre, cuando todavía no es una mujer. Esta niña llamada Aviva (cual su nombre es un palíndromo) va mutando simbólicamente de edad, peso, raza y estado emocional para transmitirnos su momento presencial dentro de la cinta. Entramos en un palíndromo visual donde el personaje va jalando la trama de principio a fin. Esta niña durante toda la cinta entra en un viaje de sexo, muerte, amor y desamor el cual le cambiará la vida para siempre.

Las actuaciones de la cinta son de cierta manera unidimensionales, se concentran en transmitir la enfermedad mental de cada personaje. Que llega a perder profundidad y credibilidad en muchas partes. Pierde naturalidad el guión, debido a la manera en que cada personaje se encasilla en su propia visión de la trama. La fotografía es sencilla, llena de un tono opaco que acompaña la trama de manera exacta. Aunque maneja ángulos poco llamativos y la edición es mínima. Debido a que la cinta se centra más en exponer los diversos complejos de cada personaje. El alejamiento y movimiento de cámara le da un valor agregado al trabajo. Es un vago intento por exponer el sentir del autor de manera egoísta. Generando perturbación visual debido a los constantes sucesos de cinismo en situaciones polémicas. A pesar de que tiene un tema bastante sensible no llega a generar un acercamiento emocional con el observante.

Calificación: 7.1

Luna de Avellaneda

Actores: Ricardo Darín, Eduardo Blanco, Mercedes Morán, Valeria Bertuccelli y Silvia Kutika

Director: Juan José Campanella

País: España - Argentina

Año: 2003

Dentro de la historia de Argentina, se han vivido distintas etapas económicas y humanas en este siglo y el anterior . Su pasado y conformación como país han definido su actualidad llena de un sentir europeo en el buen vivir. Recientemente han pasado por momentos duros en el aspecto laboral y financiero derivados de administraciones y decisiones egoístas. Luna de Avellaneda es ese pequeño reflejo de valor humano dentro de una total oscuridad en el sentimiento de toda una sociedad.

La vida en el pasado acompañada del tango clásico y bello es el poema que la cinta guarda. Con un romanticismo aferrado a los mejores años de los miembros de un club deportivo-social. En ese pasado todos gracias al club vivieron sus mejores romances, logros y amistades. El club se fue adaptando con el tiempo a la realidad argentina, la cual de manera decadente fue obligando a muchos de los socios a apartarse y vivir lejos de aquellos viejos tiempos. Cada vez con menos socios, menos plata para mantenimiento y una crisis no solo financiera sino de pasión por todo el significado de la Luna de Avellaneda.

Se genera también la problemática de pareja en una etapa de madurez. Esa etapa de madurez cuando parece que las motivaciones se marchan. Tal vez ese momento donde pensamos que la vida ha llegado a un límite y los sueños comienzan a ser pesadillas. El amor eterno se vuelve finito. Cuando los hijos crecen y aquella pasión por el vivir se comienza a morir. Estas crisis de pareja acompañan a los miembros del club, que no solo tienen que lidiar con la problemática financiera de su recinto social, sino también con familias perfectamente disfuncionales. Así como la terrible soledad que invade los corazones de esta tierra. Luna de Avellaneda es un concepto humano, que evade paradigmas y razón para lograr un encuentro con el lado más hermoso de nuestro sentir. Exponiendo lo crudo y bello de nuestra naturaleza en cada cuadro y dialogo. Generando una combinación realista de la vida, que genera una magia única por su bella manera de desnudar el más puro anhelo del hombre.

La música es sutil y nos traslada en el centro de cada momento. Así como acompaña en cada sentimiento a la trama. Los dialogos son exactos, justos y más que nada bien pensados. Las actuaciones son francas y se lograron mimetizar perfectamente con todo el contexto que se buscó. La fotografía es llena de una alegoría hacia el bello contraste nocturno de una luna nadando en la noche. Los cuadros engloban perfectamente cada interacción y paisaje. Así como la historia ayuda debido a su fuerte contenido humano. Creo que el director logró una pieza de lo mejor dentro del cine argentino, considerando que el cine de esa región es muy bueno.

Calificación: 9.1

The King of Comedy ( El Rey de la Comedia )

Actores: Diahnne Abbott, Richard Baratz, Sandra Bernhard, Lou Brown (III), Robert De Niro y Jerry Lewis

Director: Martin Scorsese

Año: 1983

País: E.U.A.

Una brillante comedia que se basa en la obsesión por lograr una fantasía. Tocando el tema psicológico en el hombre de manera tenue y poco profunda. La cinta nos invita a un mundo de ironía y la eterna búsqueda de la felicidad a cualquier precio. Todo comienza con un comediante de espejo que vive el sueño de aparecer en su Talk Show favorito. Sin ninguna experiencia a nivel profesional, practica su entrada a la fama día a día. Y es así como por fin se decide a buscar su oportunidad dentro de este aclamado show en Nueva York y demás ciudades.

El presentador del show es un famoso comediante que es realmente un ídolo en el medio televisivo. Y con una vida como la de cualquier artista en madurez, pues no está dispuesto a dar oportunidad a quien no ha demostrado merecerla. Y es ahí donde entramos en un juego de locura y obsesión por ver si existe la posibilidad de debutar a Rupert (Robert Deniro). Ya a un nivel secundario aparece la no deseada secuaz de Rupert, quien tiene como amor platónico al presentador del Talk Show. Es así como nace una simbiosis bastante atípica para lograr cada uno su sueño.

Es importante ver como se plantea el manejo televisivo en los 80’s, así como la trama llena de dinamismo. Sin ser una de las obras más artísticas a nivel visual. La cinta guarda un equilibrio confortante. La actuación de De Niro es de un excelente gusto, ya que supo asimilar el guión. Aunque no llega a ser tan penetrante como en otras cintas debido a cierta limitación en las dimensiones del personaje. Yo esperaba una continuación de lo que fue la etapa final de Raging Bull con ese comediante tan obsceno y decadente que en verdad arrancó carcajadas. Este es un comediante más cuadrado e inseguro lleno de una inocencia y psicosis peculiar.

Calificación 8.2

Fuera del Cielo

Director: Javier Patrón 'Fox'

Actores: Demián Bichir, Armando Hernández, Damián Alcázar, Dolores Heredia, Rafael Inclán, Martha Higareda, Isela Vega.

País: México

Año: 2006

Seguimos con posts de Cine Mexicano, la película Fuera del Cielo. Con una cronología lineal de 24hrs. Comienza a las 6am y termina a las 6am del día siguiente. Todo comienza una madrugada con la salida del "Malboro" (Demian Bichir) del reclusorio, es así como después de cinco años vuelve a su casa. Ese regreso con su gente, sus amores , familia y su pasado van generando una aventura criminal dentro de un barrio bravo en la ciudad de México. Un hombre acostumbrado a ganarse el pan con el box y los robos que hiciera en las calles. Llega de cierta manera renovado a ver que su hermano se convirtió en lo que el siempre fue. Con un enojo ante la vida y su destino inicia una batalla en contra de todos, pero más bien contra sí mismo.

Marlboro fue criado por su tío boxeador mediocre, su madre era prostituta y su padre lo abandonó. El perfil de todo un criminal en potencia. Y sí, acostumbrados a vivir en la jungla de asfalto nos proyectan la manera violenta de vivir de dos hermanos. Una realidad llevada a la pantalla con cuadros de fotografía sublimes. Los juegos de luz son mágicos y dan el lugar que se merece a la magestuosa urbe llena de todo y vacía de nada. La edición es un tanto secundaria, pero tiene un trabajo sencillo y limpio. Ya que la fotografía tiene un juego de filtros y acomodos complejos. La cinta colabora en resaltar mucho escenografías y aspectos visuales.

El guión es bueno y coherente dentro de la generalidad de la secuencia. Así como encaja con el perfil de los actores. De esta manera vemos actuaciones muy bien llevadas con personajes estudiados. Incluso la actuación de Demián Bichir llega a ser las más gris, tomando en cuenta que es el protagonista. Ya que de cierta manera no transmite del todo la desesperación y coraje introvertido que guarda. El manejo de una sexualidad promiscua y casual dentro de un siglo nuevo de decadencia humana. Relaciones amorosas que crean infelicidad a los participantes, el egoísmo de cada persona. Así como el choque de clases y la exposición de que en escencia todo hombre guarda una misma miseria. Vale la pena mencionar que la secuencia va generando una línea en buena pendiente con el climax y final de la cinta.

Calificación 7.8

Así del Precipicio

Actores: Ingrid Martz, Gabriela Platas Ana De La Reguera

Director: Teresa Suarez

Año: 2006

México

La película trata de atacar un segmento comercial que cuadre con la mujer capitalina que va al cine. Tenemos una generalidad de la mujer contemporánea en la Ciudad de México. La mujer típica sumisa que se casa con un hombre rico y cae en la frustración marital. La artista rebelde intelectual y la desquiciada hija de papá adicta a relaciones destructivas y drogas. Estos tres perfiles desarrollan una problemática de sexo, drogas y una idealización del amor. Bajo un contexto de una gran urbe cosmopolita llena de una apertura a las nuevas tendencias de vida en el mundo. Homosexualidad como un estornudo, meterse un pericazo de cocaina es como tomar un vaso con agua.

La historia nos plantea como cada mujer va viviendo su propio infierno. La desesperación y el fracaso en todos los ámbitos. Es así como la cinta nos describe la delgada línea entre tocar fondo e ir coqueteando con una vida sin luz. Así como se expone el concepto de la nueva mujer mexicana, que ya no es una María Félix idealizada en el encanto de lo recatado y propio. Hoy las vemos hacer marometas en la cama, meterse ron hasta por las orejas y tener más amigos gays que todos los chavos de RBD. Es un cine que busca llegarle a su segmento, no un cine del creador al espectador, sino una cine que trata de encajar comercialmente en el estereotipo de mujer que nos expone.

La urbanización captada por los lentes es fantástica, y la música genera ese punch para el espectador melancólico. La dirección tiene ese toque de espontánea y con una falta de visualización de la cinta. El desnudo de Ana de la Reguera es sensual y atractivo al espectador masculino ( no gay). El dialogo es un tanto forzado en cuadrar con un lenguaje cotidiano, y es ahí donde choca con personajes un tanto planos, unidimensionales. Creo que ese choque entre guión y actuación tiene un demérito en el trabajo global de la cinta.

Calificación 6.9

Zodiac ( Zodiaco )

Actores: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Brian Cox y Chloe Sevigny

Director: David Fincher

Año : 2007

País: EUA

Un thriller policiaco que nos contagia la adicción, desesperación y cansancio sobre el caso de un asesino serial que evoca a los más grandes psicópatas de la historia. De igual manera vivimos los años 60's y 70's de forma real en una adaptación fílmica-temporal impecable. De este modo vivimos el impacto que generan los homicidios en las vida de un periodista, un caricaturista y un policia. Debido a lo peculiar y siniestro de cada crimen se comienza a sucitar toda una psicosis en San Francisco y pequeñas ciudades aledañas. Por momentos se comienza a pensar que es imposible llegar a dar con el homicida debido a que rompe con los esquemas de lo habitual y jamás deja un rastro que el mismo no provoque. El criminal se comunica con cartas a un diario y de una forma cínica busca ser elogiado, así como a las tres personas antes mencionadas de cierta manera les genera una obligación el dar con el responsable. Miles de sospechosos están en la mira, pero simplemente la caligrafía y huellas no tienen una coincidencia que de un veredicto.

La música es genial, ya que va avanzando junto con la cinta año tras año. Ubicándonos temporalmente sin ningún problema. El manejo de luz es mágico, muy similar al trabajo anterior de Fincher que es Seven. Excelente para una película de este género. Las actuaciones son enigmáticas y guardan la sensibilidad hacia el personaje que representan. El guión es una adaptación correcta, aunque ya en el screenplay entramos en una letania que por momentos parece eterna. Es así como la duración llega a contrarestar el goce de verla. Nos hinundamos en la misma desesperación por terminar el caso. Agotadora expectativa por un final que parece ser el correcto y a la vez no. Lo que es importante es que la cinta termina de alguna forma.

Sin la vanguardia de edición en Fight Club (Del mismo director), así como la versatilidad de cuadros y dinamismo fílmico. Nos encontramos con una cinta que amerita verse. A pesar de que guarde un toque más convencional, creo que Fincher realiza un trabajo con esmero y detallado de la novela que lleva a pantalla.

Calificación 8.1

Borat - Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan ( Borat )

Actores: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Luenell, Ilham Äliyev and Bob Barr

Director: Larry Charles

Año: 2006

País: EUA

Un cine ofensivo y a la vez expone la ignorancia que motiva a la agresión inter-humana. Borat es una película que intenta hacer una crítica hacia el mundo americano. Se tocan distintas características de la sociedad, haciendo un bosquejo desde la perspectiva del creador. Es así como mediante un extranjero ponen en choque los razgos más clásicos de todo un país. América es una nación llena de diferencias y culturas diversas. Borat llega con un comportamiento irreverente y abierto a cambiar los esquemas dentro de los convencionalismos de siempre.

Trata sobre un proyecto que se realiza en Kazakhstan de llevar a un ciudadano a conocer otro estilo de vida. Borat tiene esa dura tarea y es enviado con corto presupuesto a los States. Generan a un personaje totalmente abstracto y mediante una mala fundamentación del estilo de vida en el país ex-comunista ridiculizan sus costumbres milenarias. De igual manera se burlan de la generalidad yankee y las distintas minorías que conforman el país. Hay un mal planteo en exponer el tema de los judíos dentro de la cinta, ya que no entran en detalles concretos. Así como un exceso de desnudo masculino que por momentos desagrada. La película no se sabe si genera polémica por coincidencia o en verdad intentaron hacer un trabajo que delata la ignorancia mundial entre las diverasas culturas.

El trabajo de fotografía es bastante común, el guión tiene elementos muy buenos, pero también muy malos. La historia es bastante simple e incluso irreverente por la naturaleza del personaje. La actuación a nivel comedia es buena, ya que generar todo el concepto de persona, pronunciación y arte es complejo. Es de esas películas que pueden terminar en cualquier momento y al final solamente tiene al que observa agonizando sin ninguna expecativa. Lo importante de la cinta es ver como manejan la crítica hacia distintos grupos. Aunque en algunas situaciones son simplemente bromas forzadas que buscan ridiculizar sin sentido.

Calificación 6.8

Smokin´ Aces (La Última Carta)

Actores: Ben Affleck, Zach Cumer, Jason Bateman, Common, Joseph Ruskin, Andy García y Jeremy Piven

Director: Joe Carnahan
País: EE.UU.
Año: 2007

La conjunción de un cine de acción violento siempre ha sido un reto para crear una verdadera obra fílmica. Pocas películas han llegado a la genialidad y miles serán simplemente refritos de una misma trama en distintos contextos. En este caso tenemos una cinta con tan solo algunos detalles de genialidad y buen trabajo. Desde un inicio podemos decir que no llega a ser un proyecto redondo por varios motivos que mencionaremos. Así como también tocaremos sus aciertos que le dan apenas lo necesario para ser nombrada dentro de la selección CineIdeas.

La mafia infiltrada en los círculos más altos de las organizaciones policíacas americanas lleva a cabo negociaciones de gran nivel para poder seguir cuidando sus intereses. Todo esto dependiendo de los planes del gobierno, quien sabe que tendrá una simbiosis eterna con su aliado el crimen. La corrupción y la traición son una constante en ambas partes. Es así como Smokin´ aces (La Última Carta) trata de proyectar la manipulación ejercida por los mafiosos en Las Vegas a través de el flujo de información que brindan. Un reconocido mago es objeto de disputa entre el FBI y los intereses de la Mafia. Desde un inicio nos plantean el choque de los principales sicarios del país en búsqueda de eliminar a este artista gangster. Mientras el FBI intentará cuidarlo, ya que se ha convertido en un soplón en potencia. Todo esto como si fuera una carrera para ver quien es el que lo mata primero (algo bastante patético, pero no del todo irreal). Es así como se van dando los giros en la historia y nos descifran la raíz de toda la carnicería que nos muestran en pantalla.

La matanza extrema y sin sentido llega a darle a la película un abismo visceral. Le quita valor al trabajo que se había llevado acabo. Los asesinatos a sangre fría y sin un grado de humanidad necesitan una exposición inteligente que no se logra siempre. Los personajes contratados como sicarios son realmente creativos y muy surrealistas. Esto le da un toque de cinismo a la violencia. Brindando un aire irónico a la muerte de quien goza de matar. Algunas actuaciones caen en lo simple y trilladas, cosa que no es muy bien vista en este tipo de cintas que requieren de ayuno antes de entrar a la sala. La actuación de Piven ( Israel, el mago) es genial, tiene ese don nato de prepotencia y nerviosismo muy bien logrado. Su histeria en la droga y el miedo a morir son totalmente transmitidos en su trabajo. Es sin duda la actuación más sobresaliente. Aunque por momentos vemos una película de acción cualquiera, en otros momentos se ve genialidad en la fotografía y guión. Al más puro estilo de Snatch o de un Tarantino, en algunos instantes podemos recordar ese total estilo de culto. La fotografía utiliza cuadros, filtros y acercamientos muy bien dirigidos lo cual hace que la cinta se vea muy atractiva e introduce al espectador al suceso.

Esta cinta tiene huecos en que por instantes la violencia absurda y sin motivo de generar algo domina la pantalla. Haciendo que la obra no sea un trabajo que este a los niveles de los grandes creadores de cine violento y acción. Así como algunas actuaciones no convincentes y bastante demás. Fuera de eso podemos ver una cinta que nos deleita con un choque e personajes fuera de lo convencional y con un toque artístico de carácter. Así como un atractivo visual en edición y juego de cámaras bien manejado. Aunque si vale la pena advertir sobre su fuerte carga de sangre salpicando las pantallas.

Calificación.7.3

En el siguiente video de youtube vean un episodio de la actuación de Piven, similar a su comercial papel en la serie de HBO Entourage, pero con un guión mucho más hardcore. Vean al mago mafioso de las vegas.

Stranger than Fiction

Actores: Will Ferrell, Dustin Hoffman, William Dick, Guy Massey, Martha Espinoza and T.J. Jagodowski.

Director: Marc Forster

Año: 2006

País: EUA

Creo que es garantía de un cine absurdo la aparición de Will Farrel dentro del casting de alguna cinta. Aunque ya hemos tenido apariciones menos comerciales como Melinda y Melinda y en su defecto Stranger than Fiction que tiene un corte más dramático. Es así como una vez más Marc Forster intenta dirigir todo un concepto dinámico en narración y aspectos visuales. El autor viene de realizar Stay un trabajo en pantalla y manejo de historia bastante diferente al cine convencional. Es así como sigue de cierta manera con historias de protagonistas dentro de un mundo paralelo a una realidad. Nuevamente no vemos una película del todo equilibrada, ya que se perciben huecos en actuación al no afrontar un guión surrealista de la mejor manera. Parece que por instantes la adaptación combinada con la actuación no generan una interpretación creíble en su máxima expresión. Estas dos últimas cintas se enfocan en fotografía, incursión de conceptos técnicos agradables a la vista y narraciones que requieren total atención.

Es la historia de un auditor que percibe que su vida ha sido pateticamente narrada por una voz que le aturde. Cualquier creería que Él está loco, excepto un profesor de literatura que se convence por los hechos irónicos en su vida de que todo es parte de un libro. Es así como mediante cuestionarios alegóricos busca encontar que autor le narra. La película busca que la vida real y la del libro en cierto momento choquen. Generando un manejo del destino irónico y manipulable por la creatividad de una escritora en depresión.

Vemos a Will Farrel dentro de un rol bien llevado, y a pesar de que es un cómico forzado en la cinta nos genera un desarrollo atractivo. Es un tanto un papel bidimensional, pero con tintes de un trabajo bien llevado. Vemos detalles muy agradable de estadísticas y comentarios que se incluyen de manera muy atractiva. Así como las interacciones entre personajes llegan a ser muy casuales. La música a mi parecer no me conmovió y el manejo de foto me agradó bastante. La edición ha sido sútil y le da secuencia viva. Tenemos que saber que no es una película realista sino más abstracta. Vale la pena apreciar ciertos aspectos, y estoy seguro que muchos coincidirán con mi visión, ya que al final de verla nos genera un sentimiento de que algo faltó.

Calificación 7.3

Scoop (Amor y Muerte)

Actores: Woody Allen, Hugh Jackman, Scarlett Johansson, Geoff Bell, Christopher Fulford and Nigel Lindsay

Director: Woody Allen

Año:2006

País: U.K. - E.U.A.

Scoop en la traducción que la película brinda significa "exclusiva". Es así como una vez más el título en Español le resta significado a la intención del creador. (Match point=La provocación) Pero en fin lo importante es enfocarnos al trabajo que vemos en pantalla. Después de venir de un éxito de innovación personal para Allen (Match point), ahora podemos presenciar lo que puede ser un retroceso o un "back to the essentials". Para mi fue un deleite recordar las cintas anteriores con un nuevo contexto que rodea al guión, debido a que soy un seguidor del director desde que tengo algo de criterio fílmico. Analizando objetivamente podemos decir que volvemos a la misma fórmula desgastada por décadas que generó todo un estilo y temática a lo que ya son cintas de culto para muchos. Con toda la autocrítica que hace hacia su perfil; judío, neo yorquino, inseguro y con un síndrome freudiano incurable. Scoop es el contraste preciso entre la comedia y un thriller británico derivado de la chispa y genialidad de todo un trabajo escénico equilibrado.

Un aclamado reportero londinense muere y en su trayecto al más allá escucha un rumor sobre la identidad de un temido asesino de prostitutas. Se piensa que es un miembro de una de las familias más honorables del país. Él impulsado por su instinto noticioso logra escapar por instantes de su retiro eterno y comunicarse con una joven estudiante de periodismo. Es así como le comenta todo lo que sabe y le pide que realice la investigación, ya que es una revelación sin precedentes desde Jack "el destripador". Esta joven periodista comienza a introducirse a lo más alto de la sociedad británica junto con un mago peculiar (Woody Allen), quien fue complice de una de las apariciones del reportero fallecido.

Volvemos a ver el contexto de Reino Unido en la cinta, es así como se genera un choque de culturas muy interesantes. Vemos como se ríen de la falta de refinamiento en la clase media americana y apreciamos una exposición sútil de lo arrogante del comportamiento inglés. A la hora de mezclar estos dos elementos presenciamos una crítica sana hacia ambas concepciones de vida. La actuación de Woody Allen contrasta la seriedad, propiedad y sobriedad del ambiente aristócrata de la Gran Bretaña. Generando una comedia fina, muy al estilo de su tradicional personaje ya muy conocido por todos. Scarlett Johansson es la reportera que se inmiscuye en una investigación arriesgada en búsqueda de la verdad. Poco a poco se va relacionando con un apuesto y refinado soltero, para así conseguir su exclusiva viviendo con el sospechoso. Ella se ha convertido en la nueva actriz de cabecera para Allen y creo que ha realizado una actuación contrapuesta a su anterior papel. Demostrando que tiene cualidades para deleitar a la audiencia con distintas facetas. Ella más bien es la parte que busca el thriller y hace una mancuerna con el director fabulosa llena de chispa y buen humor.

En términos visuales, la fotografía es clásica y sobria. Pero es muy importante notar lo bien manejada. El equilibrio de luz-sombra es envolvente. Así como la edición y manejos de corte en escena. La película está muy bien llevada y nos presentan la campiña inglesa de manera bella y con sus colores auténticos. El equipo de fotografía hizo un papel sutil que permite concentrarnos en las escenas. Así como apreciar el guión que es el arma principal de la cinta. Los comentarios y bromas intelectuales son un placer y la trama está bien manejada de principio a fin. La duración de la cinta no se percibe, ya que nos quedamos envueltos en la agilidad de la historia. Por último destacar que las interpretaciones son perfectamente dirigidas y es una película totalmente planeada. Así que una garantía de entretenimiento, aunque muchos digan que es ver más de lo mismo. Siento que es mejor entrar a ver esta cinta antes que las decenas de producciones sin calidad que se presentan. Scoop presenta ideas retocadas en el trabajo y el contraste de comedia es muy agradable.

Calificación: 8.9

Madrigal

Director: Fernando Perez


Actores: Carlos Enrique Almirante (Javier), Liety Chaviano (Luisita), Luis Alberto García (Ángel), Carla Sánchez (Eva), Armando Soler, (anciano/elder Soler), Ana Cecilia Armas (Stella Maris) y Yailene Sierra (Elvira).

País: España - Cuba

Año:2006

Durante el XXII festival de Cine de Guadalajara se presentó la película del director cubano Fernando Pérez. Tuve la oportunidad de coincidir y apreciarla. No sé que tanta difusión vaya a tener a nivel comercial. Este festival reune expositores de primera talla y es todo un deleite entrar a una sala donde se experimenta y exponenen propuestas de vanguardia y con contenido. El país invitado para este festival fue Brasil.

El madrigal es la composición poética amorosa que de manera ardua nos calienta el corazón con versos. Fue muy desarrollada dentro del Renacimiento. Todo comienza en una obra de teatro interpretada por actores que no son de primera línea en una ciudad española de sombras. La obra un tanto tétrica y con toda la rigidez de un drama clásico llega a ser incluso patética en su interpretación. Cantos y aplausos sin carisma llenan de un ambiente que irradia silencio y risa interna.Es desde esta obra donde se desprende la cinta y entramos a un juego amoroso de mentiras y fantasías. Donde un joven actor intenta conquistar el corazón virgen de una mujer obesa. El actor intenta quedarse con su casa para vivir en un futuro con su sensual compañera de trabajo y matar a la robusta Luisita. No comprendemos en que punto llega el amor a superar el interés. Es así como poco a poco se generan triángulos amorosos donde la mentira oculta por el sentimiento desdeñan un ciclo trágico recíproco en los protagonistas.



Durante toda la trama el joven actor va escribiendo otro tipo de madrigal cachondo dentro de una ciudad de Sexo. Es así como el relaciona su vida y sentimientos a este escrito que se nos es mostrado al final. Ligando cada detalle de la cinta al final con un futuro lleno de fornicación. Es un poco pesado, pero algo diferente ver el final de la cinta basado en una historia fantástica dentro de una trama dramática y llena de un corte serio. La fotografía es fría y llena del ambiente que el director propone. Por lo tanto podemos decir que es coherente. La escenografía es hechiza y parece estar realizada en un foro. Para los amantes de los escenarios cotidianos y llenos de realismo esta cinta nos ofrece escenarios inmóviles y bastante repetitivos. La fotografía genera claustrofobia derivada de su escenografía tétrica y sombría.

El guión es totalmente enfocado a un madrigal contemporáneo. Con comentarios bellos y poéticos. Pero que a su vez nos brindan un contexto crudo de la realidad actual. Existen varias alegorías y motives de belleza que buscan exponer la gracia humanística. Al final como en todo en la vida resulta una tragedia. Vemos tres madrigales en una misma cinta. El primero el de la obra de teatro que interpretan. El segundo la trama de la película y el tercero el cuento que escribe el protagonista con toque futurista. Es atractivo como se unen las tres historias mediante ficción y fantasía. En un eje de realismo abstracto para el espectador.

Calificación: 7.2

visita la página oficial del festival en:

http://www.guadalajaracinemafest.com/espanol/index.php

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Director: Pedro Almodóvar

Actores: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave.

País España

Año: 2006

Volver al amor, volver al incesto, revivir un cielo que imperceptiblemente se convierte en el infierno de siempre. Un culto a la silueta y sensualidad de Penelope Cruz que con los años nos demuestra sus caderas y expresiones cada vez más llenas de carácter. Por momentos el director toma fundamentos del cine de su propia vieja escuela. Es así como vemos un cine que conjunta dos etapas del mismo director de manera poética. Sabe utilizar a esta divina actriz como vínculo entre sus múltiples trabajos. Cerrando ciclos como director y engrandeciendo como siempre lo divino de la mujer.

La historia de tres mujeres, de tres generaciones. Mujeres que han sufrido los efectos del incesto en sus vidas. Y se analizan las repercusiones en acontecimientos y patologías dentro de la vida humana. En torno al homicidio en defensa propia del esposo de Penélope se va desnudando una historia que aparenta ser de suspenso y mágica de inicio. Y poco a poco va aterrizando a una realidad romántica llena de los problemas que se presentan en la vida de los más comúnes. Se plantea la fortaleza con la que viven las mujeres para salir adelante dentro de una España cada vez más urbana. Así como el choque entre las ideologías de los pueblos y las ciudades ibéricas. De esta manera entramos a un mundo de contrastes donde la realidad y la honestidad se mezclan en combinación exacta. Se plantea el rencuentro después de años de una madre hacia sus hijas y así se comienza a decifrar el pasado para comprender el presente.

El toque de alegría que le brinda un restaurante es muy agradable, así como la versión un tanto flamenca del tango volver. Que da enfasis al título y trama de la obra. El guión es muy al estilo de Almodóvar lleno de carga emocional y acoplamiento con las escenas. Los colores rojos y blancos nos conmueven dentro de la pantalla. Es muy fácil con la simple vista identificar una cinta en el plano visual de este director. La fotografía acompañada de escenografía, juegos de luz e imagen de los actores nos generan una visión realmente bella. Los ángulos y alturas de las tomas son juegos que le dan autonomía visual a la cinta. Así como saben resaltar la belleza de la Actriz principal. Se combina el drama y la comedia como un juego de la vida, donde hay lagrimas y sonrisas a cada momento.

El perfil de cada personaje es muy desarrollado y auténtico. Brindando total honestidad a los sucesos. El tener un papel dentro de la cinta es un goce para el artista. Con esta película Almódovar sale de la fórmula que había llevado ya por años y hace un cine sencillo. Entendible y muy lleno de humanismo como siempre.

Sentir,Que es un soplo la vida,
Que veinte años no es nada,
Que es febril la mirada
Errante en las sobras
Te busca y te nombra

Vivir,
Con el alma aferrada
A un dulce recuerdo
Que llevo otra vez
Tengo miedo del encuentro
Con el pasado que vuelve
A enfrentarse con mi vida.

Calificación: 8.6

Little Miss Sunshine

Actors: Abigail Breslin, Greg Kinnear, Paul Dano, Alan Arkin, Toni Collette, See more

Directors: Jonathan Dayton, Valerie Faris

País: E.U.A.

Año: 2006

Vivimos dentro de un mundo donde estamos siendo evaluados a cada instante. En el trabajo, escuela, sociedad o cualquier ámbito en el que nos desempeñemos. Es así como esta cinta logra reunir una voz de sinceridad ante el miedo al fracaso. La mayoría de los seres humanos vive con ciertas aspiraciones, el mundo de hoy puede obstruirnos en alcanzarlas. Es ahí donde se divide lo que la mercadotecnia nos propone como una persona exitosa y una perdedora. Sin importar los medios para llegar al éxito occidental, hoy en día no hay más grande éxito que estar realizado en el amor, en lo laboral y lo social. Dicen diversos estudios que el hombre busca a toda costa ser aceptado. Dentro de una sociedad de estereotipos y competida Little Miss Sunshine es la esperanza de todos por romper esquemas convencionales y demostrar que son personas llenas de defectos y fracasos sin miedo a ser juzgados por un instante.

El desarrollo de protagonistas se centra en denotar perfiles de americanos comunes, los cuales no hah podido realizar su sueño americano. Cada personaje busca fuertemente tener un éxito o lo buscó en cierto momento. Es así como tenemos un abuelo drogadicto y grosero. Un padre de familia que trabaja como orador de pláticas motivacionales para triunfadores. Estas pláticas no son escuchadas y el pelea por algún día tener libros o DVD's que hablen de su teorías. Un tío que acaba de intentar suicidarse por fracasar y envidiar la vida de otra persona. Y un joven que ha hecho votos de silencio para disciplinarse y entrar a la academia de pilotos. Cabe destacar que este joven odia a toda persona y a su familia en especial. Pero dentro de todo esto está la pequeña Miss Sunshine quien vive la inocencia y la tranquilidad de la infancia.

Esta niña es un papel natural, actúa como si fuera un adulto y es ralmente agradable ver su participación que contrasta con todo lo que son los demás personajes oscuros y llenos de amargura. Al ser ella seleccionada para ir al concurso de belleza, hace que toda la famila se movilice en ir. Es así como empieza un viaje de exposición de debilidades y fracasos. Donde toda la familia comienza a perder sus sueños y centra todo en que el concurso de belleza infantil alivie sus penas aunque sea por unos instantes. Es en el final de la cinta donde se da el mensaje, y es importante gozarlo y llevarnos un muy buen rato.

El guión es ocurrente y honesto, digno de una película con fondo. Se tocan temas realmente importantes en la educación de los hijos y relaciones familiares. Así como del interior de las personas. También es importante notar la fotografía, la cual es sobria pero muy enfocada en los sucesos. Sin ser sobresaliente nos acompaña de una manera atractiva por la trama. Las escenografías son sencillas y acorde con el tipo de familia que vemos. Los vestuarios son simpáticos y la película se difruta minuto a minuto sin ser nada lenta. La camioneta que se queda sin embrage es realmente algo original y muy simpático. Solo por mencionar un hecho dentro de la cinta.

Little Miss Sunshine es un llamado a vivir por unos instantes sin la presión social y económica que nos brindan estos tiempos de consumismo. Es así como nos podemos dar un tiempo para ser nosotros mismos y olvidar todas las presiones que nos genera el buscar un éxito. Así como el miedo a fracasar y ser catalogados como perdedores. La dirección fue muy precisa al tener un manejo de cada escena, en cada cuadro muy concreto. El director nos va llevando por cada interacción familia o del personaje de manera mágica. Sin ser una película sobresaliente es muy equilibrada en todos sus aspectos. Generando un buen balance de lo que buscamos en el cine.

Calificación 8.4

Sideways (Entre Copas)

Actors: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh, Marylouise Burke

Director: Alexander Payne

Año: 2005

Una metáfora llena de humanismo que nos envuelve en una comedia dinámica y conmovedora. Sideways es sin duda alguna una combinación de dos personajes que logran compenetrarse de una manera única. Miles es un escritor jamás publicado, el cual es enólogo por convicción. Este escritor busca llevar a su amigo Jack, quien es actor a su último viaje como soltero días antes de su boda. El viaje estaba planeado como un tour enológico y de buen comer. Acompañado por un poco de golf y descanso. Su compañero más bien buscaba una última oportunidad de reventarse y experimentar la soltería con el sexo opuesto. Sin duda alguna el personaje de Miles es más desarrollado y profundo. Ya que carga varios complejos y malas experiencias de vida. Un divorcio, fracaso laboral, fracaso en el plano sexual y familiar. Con todo esto nos conmueve con su profunda filosofía y manera de afrontar la vida acompañado del vino como lo único que le da placer. A lo mejor es un alcohólico, pero creo que la cinta no tiene nada que ver con Adios a las Vegas con la manera de beber del protagonista.

Es importante ver como manejan dentro de la cinta distintos tipos de uva, regiones y algunas casas. Así nos adentran y contagían de la manera de disfrutar una copa. Se incursionan en Santa Ynez Valley en California, donde existen viñedos al por mayor y pequeños pueblos con excelentes restaurantes. Vemos la antitesis del hombre extrovertido y chocan de una manera cómica y contundente. Es así como se hace un análisis de los distintos complejos que guarda el género masculino en mayor o menor proporción. Riéndonos de la exageración o minimización de lo que muchos sentimos en ciertas situaciones. El guión es excelente y de una profundidad que no percibimos de momento sino hasta varios minutos después de ver la película.

El personaje de Jack de igual manera es una exhibición de lo que el hombre es por dentro en ciertos momentos. Así como la total extroversión animal que guarda. Es sin duda un análisis bastante preciso de lo que el hombre posee como cualidades y defectos. Anhelos y frustraciones. Deseos y complejos. La aceptación y el rechazo. Creo que es una película que nos distrae de la realidad por un momento y nos pone en un tour enológico junto a los protagonistas.

La fotografía cumple con las expectativas, acompañada de una iluminación natural que nos deleita en los paisajes. También los cuadros guardan cierto encanto con tomas lejanas o con un acompañamiento de los sucesos experimental. El desarrollo de los personajes como ya mencionamos es fenomenal en el caso de Miles. El contenido psicológico es sobresaliente y mencionar el toque del director en la selección de vinos y uvas que hace para la cinta.

Calificación: 8.2

Hable Con Ella

película.Actores: Javier Cámara, Darío Grandineti, Leonor Watling, Rosario Flores y Mariola Fuentes

Director: Pedro Almodóvar

Año: 2002

Sexo, homosexualidad, enfermedad, dolor y pasión; Sí , es otra película de Almodóvar que busca indagar en la naturaleza humana de la manera más honesta. Con base en un desarrollo de personajes amplio y con características detalladas nos da un mensaje directo de amor. Tenemos una mujer torera, llena de carácter y un hermafroditismo que conquista plazas enteras. Un enfermero virgen que jamás ha sido correspondido afectivamente por nadie. Un escritor argentino que vaga por el mundo con un corazón roto. Y una bella bailarina en coma que nos conquista con la silueta y expresión inmóvil de su cuerpo desnudo.

Se hace una crítica al hombre en cuestión de su trato a la mujer. Y el como hoy en día muchas relaciones no saben hablar, tocarse o incluso mirarse. Utilizando como ejemplo la situación de una mujer en coma. Vemos como es perceptible el vínculo amoroso a través de estas pruebas que puede poner la vida. Para un enfermero enamorado desde hace muchos años de una mujer que prácticamente nunca conoció. Y nada correspondido debido al estado en el que se encuentra la joven amada. Este enfermero escucha, platica, vive y cuida con pasión cada momento de su amada. Mientras que en la relación del periodista y la torera simplemente ni se tocan. Es así como se percibe el desamor y la falta de fuerza en su relación.

La historia de cada relación nos la van contando de una manera parabólica y con una secuencia limpia y entendible en cada cuadro. El guión es una de las grandes fortalezas que tiene la trama y es el pilar hacia una historia encantadora. Que polémicamente defiende una patología que engrandece un amor no correspondido y más aún, justifica un cálido romance hacia alguien que se encuentra en estado vegetal. Y lo más irónico es que lo hace parecer válido ante la inocencia y pureza del enfermero. Para lo que a muchos es una enfermedad psicológica, para otros es la más bella historia de amor.

La escenografía es estética y similar a muchas películas de este director. Podemos ver el toque de su equipo. Que a través de la sencillez logran llevar totalmente nuestra atención hacia los sucesos. Almodóvar ama al ser humano con todos sus defectos y cualidades. Y en sus propios defectos encuentra cualidades bellas. La honestidad de las emociones humanas cautiva en cada momento. Así como el buen trabajo de la mayoría de los personajes principales y secundarios. La amistad de un periodista sumamente racional con un enfermero desadaptado en una urbanidad madrileña genera la sensación de una igualdad en sus almas, con una diferencia en la manera de expresar sus emociones. Así como de racionalizar la vida.

Como nota final es importante apreciar el cortometraje mudo y muy surrealista que tiene la película. Así como ver el tributo que le hace a grandes artistas españoles en él. Un hombre diminuto recorre el cuerpo desnudo de su amada. También nada dentro de una vagina gigante para su tamaño. Culmina el amor que siente hacia su bella mujer con un orgasmo.

Calificación: 8.9

Raging Bull

Actors: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent y Nicholas Colasanto.

Directors: Martin Scorsese


Año: 1980


Una gran obra de los ochenta que nos narra la vida de un boxeador paranoico viviendo en una espiral de autodestrucción durante los 40's y 50's. Es así como en esta cinta podemos ver a un Scorsese en su plenitud, brindando un cine dinámico y que juega con las emociones del espectador. Escenas en el ring llenas de expresión, batallas de coraje que son el medio de explosión patológica de Jake LaMotta(Robert Deniro). Este boxeador ha sido un personaje detalladamente creado y estudiado para su interpretación. Es sin duda alguna un trabajo en conjunto de dirección, guión y actuación sublime. Ya que en pocos minutos nos empapamos de cada virtud y defecto del protagonista.


Jake LaMotta es un joven boxeador de ascendencia italiana que ha luchado para tener prestigio en el medio. Su hermano es quien ha ido llevando la dirección estratégica de su carrera. Jake es impetuoso, explosivo y agresivo. Con una patología muy notoria desde la infancia, que le impide tener relaciones de pareja funcionales. Sin duda alguna una persona insegura que lo refleja con celos extrapolados hacia su bella mujer. En esta película se aprecia el levantamiento y caída de un boxeador sin clase. Una personalidad desadaptada y violenta son la constante en el manejo de la trama, ya que en cada escena se espera el choque entre implicados. Aquí se puede analizar el fuerte vacío que carga Jake y lo refleja teniendo conflictos con las personas que más lo aman. Es así como se va gestando una soledad que aterra y una vida decadente.


La fotografía es limpia y llena de noción de cuadro, lo cual hace muy atractiva a la vista cada escena de la cinta. La actuación de Deniro es sútil y bien lograda en todo su estilo de italiano del Bronx. La trama fue apegada a la novela original, que va llevando año tras año la vida de Jake. Los actores secundarios generan una atmósfera agradable y que tiene realismo. Las escenas del cuadrilatero tienen todo el toque del director, quien nunca puede pasar por alto salpicones y chorros de sangre. Es una violencia de calidad y logra el cometido de brindarnos entretenimiento con tonos de arte.

Es muy importante notar el ambiente latino en Nueva York lleno de ese valor por la famlia y ese respeto simulado hacia la mujer. Es de esta manera como en una sociedad de hombres se gesta una de las historias de boxeo más honestas y llenas de carga emocional (nada que ver con el americanismo de Rocky) . El conflicto entre hermanos, problemas de pareja desencadenados de su total patanería y la decadencia laboral de quien vivió de la fama del boxeo. Nos tienen una mezcla de elementos que generan una trama de alta calidad. Si vieron los inflitrados es importante ver la decadencia del director en los días actuales. Ya que busca cuadrar su estilo en un refrito americano. Donde se pierde la autenticidad del director, así como vemos una influencia de las grandes casas productoras en la ideología de la trama y el manejo de las circunstancias históricas. Sin demeritar a la cinta, la cual tiene su lado positivo como una obra que ha logrado llevar el tema de la mafia contemporanea de una manera agradable.

Calificación 8.9

Doctor Zhivago

Actores: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Rod Steiger y Alec Guinness

Director: David Lean

Año: 1965

Una cinta polémica en su tiempo, ya que es presentada durante la Guerra Fría. Se busca anunciar y señalar el fracaso del sistema comunista en Rusia. Así como presentar la corrupción, violencia y represión que vivieron los rusos de esa época. Esta novela ganó el premio Nobel, el autor no pudo recibirlo debido a las políticas internas de su país. También es importante ver el enfoque americano hacia un país con el que andan en conflicto. En este blog no defendemos el comunismo en ningún sentido, pero es un hecho de interés ver como el cine ha sido utilizado para defender posturas. Siempre hay malos para Hollywood, y el cine ayuda a justificar la razón de la enemistad (alemanes gritones, rusos asesinos, árabes terrositas, latinos corruptos, coreanos piromaniacos). Y todo se adapta acorde al tiempo que vivimos, ya sea Segunda Guerra Mundial, Tensión militar con China,

La historia de un médico/poeta que se enamora de dos mujeres en la etapa de transición del imperio ruso hacia el régimen comunista. Este médico a través de sus fuertes principios y vocación cautiva a estas dos bellas artistas. La historia nos delata como la revolución rusa les quita el estilo burgués de vida a la clase acomodada, así como la persecusión hacia este admirado médico/poeta debido al contenido emocional de su obra. Durante estos dos acontecimientos el Dr. Zhivago está acompañado por alguna de sus dos amadas. Una es su esposa, la cual lo ama de manera apasionada. Y la segunda es esposa de un conocido general bolchevique, quien se resiste en primera instancia a vivir un cálido romance.

La película tiene una duración de 200 minutos, así que hay que verla con calma. Es una de las joyas de la época dorada de Hollywood, debido a su calidad en guiones, escenografías, actuaciones y vestuario. Es un cine poético, que nos deja todo sutilmente dicho con cuadros representativos de cada acontecimiento. La edición es de vanguardia para la época, ya que se combinan paisajes con escenas de forma imperceptible. La famosa música de balalaika es realmente un clásico y nos conmueven con el sufrimiento de toda una nación. La nostalgia y el mover las fibras sencibles son una constante dentro del filme. Es interesante como abordan el tema de la infidelidad como una circunstancia. Así como lo vanal y absurdo del poder o el dinero ante el amor verdadero. Aunque es un cuento de hadas y las personas por amor aguantan los más duros sufrimientos sin decir ni una vez "fuck" o "shit". Ver esta película es un viaje al cine de calidad y el romanticismo de aquellos años que no volveran. Escribí sobre una película vieja, ya que es importante siempre invitar a cautivarse con este tipo de películas que jamás pasaran de moda.

Calificación: 9.3