Death Proof (Grindhouse)

Actores: Kurt Russell, Rosario Dawson, Rose McGowan
Director: Quentin Tarantino

Año: 2007

País: E.U.A.

El género Grindhouse de los 70’s es retomado de manera magistral por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez en esta doble producción (Death Proof y Planet Terror). Evocando a las películas que incluían una dosis de terror y sexo hechas de una manera un tanto burda. Así como proyectadas en lugares llamados de la misma manera Grindhouse. Unos dicen que este nombre surge por la palabra Grind (frotar, moler), que eran antros donde se bailaba un estilo de baile un tanto obsceno y terminaron por ser lugares de proyección fílmica. Otros simplemente por la manera de proyectarse, así como se podían ver varias películas en una misma función y con trailers en los intermedios. Incluso la cinta Death Proof fue ensuciada y añejada un poco para darle ese efecto de una imagen con líneas y un audio que se repite u omite. Así como se realizaron una serie de trailers sobre películas falsas de manera bastante creativa. El arte que encierra es curioso y a través de sus posters publicitarios, trailers y tipo de lugar donde se exhiben son un viaje al pasado que nos deleita y emociona en sus 24 cuadros por segundo.

Homenajeando a Vanishing Point (1971) vemos la historia de Stuntman Mike, un original y bien estructurado personaje que asesina jóvenes mujeres utilizando como arma su Dodge Challenger 1970 diseñado para acrobacias en cine o T.V. Con una actuación formidable de Kurt Russell vemos un retirado acróbata sacado del pasado que busca saciar su sed de adrenalina y sangre. Con un perfil muy peculiar para hablar, sonreír y acosar a sus presas de muerte. Cazando sutilmente a sus víctimas y utilizando a tope la velocidad de su terrorifico auto. Un punto de lo más rescatable es que para la cinta se contrataron a leyendas de la acrobacia automovilística generando acción en vivo. Es decir los efectos por computadora en las escenas fueron mínimos. En cada momento se estuvo arriesgando algún piloto en el aire o dando giros. Dándole un realismo único a las escenas de persecución y velocidad. De esta manera Stuntman Mike utiliza sus habilidades a tope para poder asesinar y sobrevivir de algunas víctimas por lo general muy sensuales.

Como toda película de Tarantino vemos diálogos sinceros, honestos y directos (por no decir muy ocurrentes y crudos) que le dan un valor agregado a la acción que vemos en pantalla. Con unas conversaciones casuales entre mujeres que realmente captan nuestra atención debido a la naturalidad y buen manejo de la actuación. A pesar de ser una cinta de miedo u acción se genera un concepto digerible, dinámico y lleno de emoción. Creando un cine simple y equilibrado que nos deja con una gran sensación al final. El soundtrack es genial, lleno de energía para el acompañamiento de cada escena. Dándole un énfasis a cada escena que vemos en pantalla. No es una película que busque englobar o revolucionar dentro del cine, sino más bien un experimento divertido que logra entretener al público. Logrando el cometido original del cine con un toque vanguardista a pesar de retomar una tónica del pasado.

La fotografía fue realizada por Quentin Tarantino, esta es su primera vez como encargado del área visual. Realmente nos otorga muy buenos cuadros, así como un seguimiento preciso de la acción. Con un toque realmente bárbaro, creo que genera un arte lleno de tonos, color y mensaje a través del lente.

Calificación: 8.4

Thank you for Smoking (Gracias por Fumar)

Actores: Joan Lunden, Eric Haberman, Aaron Eckhart, Mary Jo Smith, Todd Louiso

Director: Jason Reitman

Pais: EUA
Año: 2006

Monólogo cínico que desencadena una severa problemática al debatir lo que es ética comercial e informativa. Un viaje por el mundo de los intereses de las grandes compañías que mueven la economía americana. Profundizando en la industria del cigarro como un emblema de mortandad entre sus consumidores. Así como el obstinado ataque de idealistas que luchan por extinguirlo. Aquí se entra en la fuerte lucha de poder y dinero porque el mercado siga siendo rentable a pesar de impuestos y restricciones de venta. También se exhiben los sutiles (maquiavélicos) planes para promover el consumo y defenderlo.

La historia es narrada por el protagonista, quien es un vocero de la industria cigarrera americana. El tiene el bello trabajo de defender a capa y espada cualquier ataque que perjudique los intereses de sus jefes. Es así como tiene que dar la cara en los medios y parlamento para poder defender un producto que envenena a quien lo consume. Utilizando sus habilidades únicas para debatir y argumentar va teniendo un gran éxito en disuadir varias campañas anti-tabaco. El tiene que sufrir el repudio social e incluso el familiar. Exceptuando el de su hijo quien parece seguir sus pasos y admirarlo de sobremanera. Es así como el forma parte de una logia de muerte con los voceros de alcohol y armas, donde cínicamente discuten sobre lo duro que es defender industrias tan perjudiciales para la comunidad. Como todo vocero sufre de amenazas y presiones desde todos los sectores, poniendo a prueba su tolerancia y habilidad persuasiva a cada momento. Pero como todo hombre puede tener su talón de Aquiles y ser llevado al límite de sus capacidades.

El guión es la directriz de la cinta, el cual se logra compaginar con actuaciones creíbles y congruentes. De esta manera generando una postura objetiva de la problemática que se toca durante toda la duración. El debate ético es realmente bien manejado, siendo por momentos satírico e irónico. La fotografía es digna, acompañada de una edición sobria que le da formalidad a los cuadros. Estamos ante una película que transmite un mensaje con arte y originalidad. El toque de humor negro es muy bien manejado, cosa que aún más enaltece su completo guión.

Calificación: 8.0

The Machinist (El Maquinista)

Actors: Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, John Sharian, Michael Ironside
Directors: Brad Anderson
País: España
Año: 2003

Un viaje al subconsciente con una total influencia en Dostoevsky. Creando un ambiente oscuro y tétrico del sentimiento humano. Desmembrando una esquizofrenia decadente y misteriosa durante el recorrido fílmico. Es de esta manera como nos encontramos en una cinta hecha en España, que aparenta estar en Estados Unidos. Así también sobresaliendo la Actuación de Bale, quien tuvo que bajar 30 kilos (aprox) para poder filmar la película (4 meses comiendo una lata de atún y una manzana), crea un personaje introvertido, extraño que no logra encajar con su propia realidad. Amigo de prostitutas y operador de una máquina dentro de una triste fábrica.

La película comienza con un demacrado Bale, quien vive una vida llena de soledad y extraños hábitos. Sin duda alguna una vida depresiva y autodestructiva. Con fuertes símbolos del novelista ruso, se pasan meses sin dormir ni comer. Es de esta manera como entre recuerdos y extraños periodos de surrealismo (o mera locura) se va descifrando la raíz de una peculiar enfermedad mental y deterioro físico total. Se genera un personaje Ivan, quien es un reflejo de su verdadero sentir. El cual lo va llevando a descubrir lo que le ha quitado el sueño y hambre por meses. Conociendo personas inventadas o reales, vemos una película que juega mentalmente con el tiempo y la mente magistralmente. Envolviéndonos en ese ambiente de estrés, locura e histeria.

Poco a poco el personaje principal va siendo consumido por su misma mente. Llevando a pique su vida social y laboral. Lo importante dentro de la trama es descifrar lo que guarda en su corazón y mente. Vemos una cinta con un contenido profundo, siendo complementado por un fino trabajo técnico de fotografía y edición. El cuan sin ser pomposo llena de buenos cuadros la pantalla. Así como una selección correcta del ambiente de luz. Ya que nos meten de lleno al ambiente buscado por el Director. El guión es sólido y la dirección se mimetiza a través de actuaciones sencillas pero sustanciosas en calidad. Un trabajo que amerita verse como un concepto que transforma contextos y pensamientos por instantes.

Calificación: 8.0

Buena Vida (Delivery)

Actores: Ignacio Toseli, Mariana Anghileri, Oscar Nuñez, Alicia Palmes
Director: Leonardo Di Cesare


Año: 2004


País: Argentina

La temática económica y social de la Argentina sigue siendo la actual constante en el mundo fílmico del país. Ahora vemos una cinta que enfatiza la manera de afrontar la crisis en algunas familias y personas en situaciones un poco más extremas. Bastante triste ver individuos orillados por la desesperación y hambre a usurpar lo poco que los demás tienen. Aunque se aborda de una manera irónica y con una gran sutileza en esta ocasión. Generando un planteamiento suave, pero con mucha picardía del fuerte problema que tienen miles de familias en aquel país. Es importante ver como desarrollan un perfil realista y auténtico del argentino en todo un contexto cultural.

La cinta comienza con un joven llamado Hernán quien se queda solo en su casa por la partida de su hermano a España (buscando mejores oportunidades). Él amablemente y atraído por la belleza de una mujer le ofrece el cuarto que sobra a un módico precio. Y es así como poco a poco se comienza a generar una relación afectiva-sexual entre ambos. Hasta que un día la familia de esta chica llega pidiendo alojamiento supuestamente por una noche. Poco a poco la familia comienza a apoderarse de la casa, deteriorando la relación de Hernán. Llegando al punto extremo de que su casa se convierte en una fábrica de churros llena de bolivianos o peruanos. Lo importante de la cinta es ver todo el concepto social y el toque especial para manejar cada situación.

La dirección es magnifica, ya que va llevando al observante de la mano por cada etapa de la historia. A partir de una situación engorrosa se genera todo un proyecto simple, pero muy contundente. Desarrollando un cine completo y equilibrado, a pesar de la falta de tecnología dentro de sus cuadros y edición. Demostrando una vez más que el cine se centra en sus pilares fundamentales como guión y dirección. Complementándose sutilmente por una fotografía muy digna. Es así como una vez más vemos cine argentino de muy alta calidad y que pone en alto el concepto visual del país. Con un título contradictorio, haciendo referencia a la compañía donde labora Hernán vemos como la buena vida argentina se ha demacrado paulatinamente hasta llegar a lo que hoy vemos.

La actuación del padre de la chica es fenomenal, creo que es un personaje fino y bien desarrollado. Es de los aspectos más cómicos dentro de la cinta, así como todo un marco referencial de lo que la cinta busca transmitir. También se toca el tema de la relación de pareja y la psicología femenina dentro de las diversas combinaciones amorosas que se pueden brindar. Siendo detalles secundarios, pero que le dan un valor agregado a la problemática general de la película.

Calificación 8.8

L' enfant (El Niño)

L' enfant

Actores: Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet.

Directores: Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne.

País : Bélgica – Francia

Año : 2005

Un relato crudo que descifra lo absurdo de ser adolescente e ir afrontando las responsabilidades que conlleva la vida. En la actualidad el problema de embarazos prematuros afecta comunidades alrededor del mundo. En esta cinta nos exponen la situación de una joven pareja de la clase baja europea que tiene un hijo. Hoy en día es más común ver un fuerte deterioro de los valores y medios para subsistir en un planeta de pocas oportunidades. Las generaciones nuevas se ven obligadas cada vez más a extralimitar sus opciones y la mayor parte de las veces tomar decisiones inadecuadas. Así como nos plantean un reflejo de la crisis en Europa en cuestión social. A pesar de ser un continente con vanguardia humanística, el mundo global carece de un sustento de vida digna para la generalidad.

Una pareja de adolescentes tiene un bebé el cual parece no ser bien recibido por su padre. Este joven vive de lo poco que roba con sus pequeños secuaces y de manera irresponsable pasa la vida recorriendo las calles de su ciudad. En un intento desquiciado por tener algo de fortuna intenta poner en riesgo al bebé a cambio de unos cuantos euros. Es así como el joven entra en un dilema entre amor-paternidad y el dinero-sin responsabilidad. Tendrá que ajustar después un par de cuentas con mafiosos que le complicarán la vida hasta que no salde su deuda.

No me gustaría concentrarme tanto en la trama, puesto que es bastante sencilla. Y pocos detalles desnudarían el final. Lo que para mi es muy importante en la cinta, es apreciar el trabajo detallado en captar cada situación. Como buen cine europeo vemos close ups constantes. Visualizamos desplazamientos, expresión y choque emocional. La cinta se va desarrollando a través no de alguna problemática, sino de las reacciones y actitudes de los personajes hacia la misma. Teniendo un trabajo sobresaliente en dirección y actuación que logran mezclar una simbiosis de escena. Con una fotografía espontánea nos llevan por los diferentes encuentros personales entre novios, amigos y mafia. Sin un trabajo de edición o efectos especiales. Este cine francés de contenido logra satisfacer el corazón a pesar de la común lentitud de dinamismo que genera el enfoque del director. Con esto quiero decir que la cinta es un viaje por las reacciones y actos de un joven, siendo por momentos lenta. Pero como un cine fino y cargado logra superar las barreras de lo cotidiano y generar un proyecto de esencia profunda.

No hay mejor momento en el cine que observar un trabajo honesto en pantalla que simpatice entre todos sus elementos. A pesar que no maneja una vanguardia tecnológica, en el fondo y en la forma vemos un gran manejo del arte. Guión, dirección, actuación como pilares de un contexto artístico equilibrado.

Calificación: 8.4

Lady Vengeance (Sra. Venganza)

Actores: Yeong-ae Lee, Min-sik Choi, Seung-Shin Lee, Hye-jeong Kang, Yea-young Kwon.

Director: Chan-wook Park.

País: Corea del Sur.

Año: 2005

La perfecta bitácora de una venganza impactando cada punto fílmico con sutileza y poder. Como su predecesora Oldboy tenemos ahora todo un thriller que va desnudando motivos y sentimientos minuto a minuto. Siendo este un trabajo visual más elaborado. Ya que contamos con perfectos contrastes de color y luz, así como un acompañamiento poético de música y escenarios. Cada detalle fue sumamente cuidado generando un concepto de vanguardia que propone un cine sumamente atractivo. La visión oriental de la vida engloba una magia profunda que es antagonista de una cosmovisión occidental materialista. Entramos en escenas y momentos que van más allá de lo humano trascendiendo a lo espiritual. Pero también podemos entrar en un choque de bien y mal que puede explotar en actos sorprendentemente viscerales.

Todo comienza con la supuesta asesina de un niño, la cual es encerrada por varios años. Conforme se va generando la trama nos van aclarando muchas cuestiones de los motivos por los que fue culpada. Es así como ella dentro de la cárcel comienza a planear una venganza hacia una de las personas que colaboró para que ella ingresara. Una vez que es liberada comienza a maquinarse todo para poder saciar esa hambre de rencor. Dentro de la cárcel es muy interesante el pequeño perfil que se muestra de cada interna. Ya que con personajes creativos y llamativos se expresan distintas situaciones humanas que le dan un complemento original a la cinta. También esta Sra Venganza tiene un hija y se plantea todo el vínculo maternal que ella intenta resucitar. La trama es elegante, puesto que son cintas que piden concentración en los hechos y diálogos para poder ir comprendiendo cada pedazo del rompecabezas que es la historia.

Es muy llamativa la frialdad y calor con las que se manejan muchas de las situaciones en la cinta. Haciendo realmente interesante la actuación de todos los personajes. Así como toda una serie de símbolos y situaciones que tienen un trasfondo de cierta manera mítico. Se manejan preceptos de distintas culturas, haciendo muy rica la visión del director. La fotografía sabe combinar movimiento, luz y sombra. Una edición que es de gran manejo, dándole mucha agilidad a la cinta. Se manejan cambios de filtro y película, esto es de cierta manera un toque artístico. Puesto que cierta parte de la cinta es en blanco y negro y solo se expone el color de lo relevante en ese momento para la historia. Así como dando un mensaje de oscuridad hacia la violencia o de pureza al sentimiento de odio natural.

La película toca el tema de homicidios a infantes, lo cual puede ser fuerte para ciertas audiencias. Algo sumamente desagradable y visceral. Así como se llena de odio la pantalla con el sentir de los afectados. La cinta es el fuerte choque de emociones enfrascadas en un intento por salir de manera explosiva. Con personajes sumamente originales y situaciones adversas a lo obvio o natural. Le da una continuidad a su trabajo anterior de una manera brillante. Complementado la temática y evolucionando técnicamente en su proyectoAunque Oldboy llega a ser mucho más chusca y dinámica

Calificación 8.5

El Laberinto del Fauno.

Actores: Maribel Verdu, Ivana Baquero, Ariadna Gil, Federico Luppi Sergi Lopez

Director: Guillermo Del Toro (México)

Año: 2006

País: España - E.U.A.


La vida como un poema lleno de realidad y fantasía. Generando una historia enormemente bella que nos mete directo a un cuento de hadas único. Vemos el fuerte contraste entre inocencia y pecado. Amor y odio como dos constantes que viven en una simbiosis que hace explicito el triunfo de lo humano. Nos meten en el contexto del final de la guerra civil española de modo contundente. Apreciando lo cruel y extenuante que fue para cientos de hombre y mujeres. Con toda la dureza y frialdad representada por un capitán desalmado que busca exterminar a los pocos rebeldes que quedan en los montes.

La historia gira entorno a una madre y su hija que llegan a un cuartel franquista en las montañas. La madre que es la nueva esposa del Capitán en turno, se ve forzada a dar a luz en donde su marido quiere. Es así como enfrentan todo un choque de violencia y guerra desde cerca. Soportando represión y sufrimiento en cada momento, todo por la sumisión de la mujer a cambio de la seguridad varonil. La hija es una niña soñadora, apasionada de los cuentos de hadas, que por un destino manifiesto llega a una tierra de fantasía y magia. Es aquí donde vemos dos historias en perfecta combinación dentro de la cinta. Por un lado se desarrolla la más cruel de las guerras y por el otro una fábula llena de personajes ficticios y llenos de un misticismo que encanta. Destacando a un fauno que es sin duda alguna un elemento de contraste sobre sabiduría y engaño. Que pone a prueba a la niña, que es supuestamente la princesa de todo un reino.

La niña tendrá distintos retos, tanto en la vida real como en la fantasía. Cada uno poniendo en juego distintas cuestiones en riesgo. Es así como la niña tiene que superar la vida mortal para subsistir en una realidad alterna a nuestro espacio. Mágicamente tiene encuentros con distintos seres que nos evocan el más detallado cuento de niños. Pero que cada frase y comentario van llenos de un simbolismo que enaltecen los valores humanos más profundos. Creo que Guillermo del Toro logra generar una poesía visual que resultará muy difícil repetir debido a lo minucioso y original del trabajo. Resaltando la unión del guión y su adaptación como todo un éxito.

Los efectos especiales, el vestuario y fotografía logran un panorama sobresaliente durante todo el filme. Siendo sumamente grato ir recorriendo la cinta por todos sus ángulos. Es uno de los trabajos visuales más completos que se hicieron en el año sin duda alguna. Así como tenemos que tomar en cuenta el fuerte trabajo de secuencia histórica, ya que la trama es encantadora y llena de carga emocional. Sin dejar a un lado la belleza de las sensaciones que nos genera cada interacción entre personajes. El manejo del humanismo es implícito en toda la trama y los momentos de violencia realmente estremecen contagiando dolor y tristeza. A la hora de hacer cine, un elemento técnico puede dar mucho, pero no existe nada mejor que el transmitir a quien observa un sentimiento. Y creo yo que esta película realmente nos conmueve de inicio a fin.

Calificación 9.3

The Simpsons Movie (Los Simpsons La Película)

Voces: Julie Kavner, Nancy Cartwright, Yeardley Smith, Pamela Hayden, Albert Brooks

Director: David Silverman

País: E.U.A.

Año: 2007

Una de las caricaturas que han acompañado a toda una generación. Muchos la equiparan con Los Picapiedra en años anteriores. Buscando generar un reflejo de la sociedad americana basado en el manejo de problemáticas dentro del momento histórico. Así es como podemos ver toda una parodia política, social y psicológica de distintos perfiles de personajes. Que tratan de generar los principales estereotipos que definen una comunidad. La caricatura a través del tiempo ha sido una bitácora narrativa de la familia americana. Plantea la adaptación a una globalización acelerada que ha traído nuevos paradigmas a lo concebido desde siempre.

Ahora la película es de cierta manera un capítulo extendido como era de esperarse. Lleno de una autocrítica y sin muchas sorpresas. Quizás muchos esperaban ver morir al ratón en un episodio de Itchy y Scratchy o que Magie hablara algunas líneas. En fin las expectativas eran grandes y lamentablemente al momento de hacer la película se ve expuesto el inicio del final de uno de los ciclos más importantes de la animación mundial. Fue un gran negocio sin duda alguna, y bien merecido, ya que tener éxito alrededor del mundo es realmente complicado. Debido a los complejos procesos de tropicalización de contenido y mercadotecnia. La calidad de los dibujos es excelente para estar en dos dimensiones. Y los chistes guardan toda la espontaneidad y creatividad de siempre.

La historia tiene un muy agradable manejo de crítica al gobierno y política americana. Cosa que es de aplaudirse dentro de una cinta comercial. Así como una alerta del estado crítico ambiental. La trama comienza con las típicas imprudencias de Homero Simpson que en esta ocasión generan un impacto mundial. Pone en dificultades a toda la Ciudad de Springfield. Homero se ve forzado a elegir entre dejar a un lado el egoísmo o abandonar a toda la gente que lo ha acompañado durante ya varios años. Como pueden ver es una trama totalmente simple, pero lo importante es enfocarse en el contexto y no en la historia argumentada.

La aprecié en español y el doblaje es apropiado, aunque algunas voces fueron diferentes a las de la serie en televisión. El guión es bastante cómico y lleno de picardía, aunque a veces las bromas rayan en el cliché de la serie. La historia pudo haber tenido una mayor impacto en la vida de todos. Puesto que después de la cinta parece que todo volverá a ser exactamente igual. Algo parecido a la serie, donde los cambios más abruptos al final no generan una repercusión en capítulos posteriores. En resumidas cuentas la cinta no fue menos, ni más de lo que yo esperaba. Pero si creciste con la serie o la has visto desde hace tiempo es inevitable ir al cine.

Calificación 7.8