Palindromes (Palíndromos)

Actores: Matthew Faber, Angela Pietropinto, Bill Buell, Emani Sledge y Ellen Barkin

Director: Todd Solondz

País: EUA

Año: 2004




Un viaje por la mente del director que nos llena de todo un concepto de vida bastante propio y tétrico. El director ha ido evolucionando girando entorno a una generalidad de la patología humana. Especulando y acertando en las máscaras sociales que tenemos, así como las diversas perversiones que se encuentran en el mundo. Definiendo a cada individuo como un ser sexualmente único y con un pasado que ha creado su realidad enferma o sana desde la perspectiva de los demás. Una hipocresía social abrupta que inunda cada círculo humano. Así como el declive y constante falta de respeto a la infancia. De igual manera justifica y expone el impulso sexual-maternal entre menores de edad. Al ser visto en pantalla puede generar cierta repulsión por algunos debido a la sinceridad de su propuesta. Así como la naturalidad que lo distingue en el manejo cínico de problemáticas realmente polémicas.

Entramos en un mundo de abortos y diferencias físicas entre seres humanos. Así como la lucha constante entre los grupos conservadores y las personas que apoyan las prácticas clínicas para evitar embarazos nos deseados. Donde en ambas partes hay incongruencias e ignorancia. Así como nos metemos de lleno a la vida íntima de una familia llena de un alejamiento emocional. De igual manera saturada de la problemática mental, que repercute directamente en su hija. La cual tiene el deseo ferviente de ser madre, cuando todavía no es una mujer. Esta niña llamada Aviva (cual su nombre es un palíndromo) va mutando simbólicamente de edad, peso, raza y estado emocional para transmitirnos su momento presencial dentro de la cinta. Entramos en un palíndromo visual donde el personaje va jalando la trama de principio a fin. Esta niña durante toda la cinta entra en un viaje de sexo, muerte, amor y desamor el cual le cambiará la vida para siempre.

Las actuaciones de la cinta son de cierta manera unidimensionales, se concentran en transmitir la enfermedad mental de cada personaje. Que llega a perder profundidad y credibilidad en muchas partes. Pierde naturalidad el guión, debido a la manera en que cada personaje se encasilla en su propia visión de la trama. La fotografía es sencilla, llena de un tono opaco que acompaña la trama de manera exacta. Aunque maneja ángulos poco llamativos y la edición es mínima. Debido a que la cinta se centra más en exponer los diversos complejos de cada personaje. El alejamiento y movimiento de cámara le da un valor agregado al trabajo. Es un vago intento por exponer el sentir del autor de manera egoísta. Generando perturbación visual debido a los constantes sucesos de cinismo en situaciones polémicas. A pesar de que tiene un tema bastante sensible no llega a generar un acercamiento emocional con el observante.

Calificación: 7.1

Luna de Avellaneda

Actores: Ricardo Darín, Eduardo Blanco, Mercedes Morán, Valeria Bertuccelli y Silvia Kutika

Director: Juan José Campanella

País: España - Argentina

Año: 2003

Dentro de la historia de Argentina, se han vivido distintas etapas económicas y humanas en este siglo y el anterior . Su pasado y conformación como país han definido su actualidad llena de un sentir europeo en el buen vivir. Recientemente han pasado por momentos duros en el aspecto laboral y financiero derivados de administraciones y decisiones egoístas. Luna de Avellaneda es ese pequeño reflejo de valor humano dentro de una total oscuridad en el sentimiento de toda una sociedad.

La vida en el pasado acompañada del tango clásico y bello es el poema que la cinta guarda. Con un romanticismo aferrado a los mejores años de los miembros de un club deportivo-social. En ese pasado todos gracias al club vivieron sus mejores romances, logros y amistades. El club se fue adaptando con el tiempo a la realidad argentina, la cual de manera decadente fue obligando a muchos de los socios a apartarse y vivir lejos de aquellos viejos tiempos. Cada vez con menos socios, menos plata para mantenimiento y una crisis no solo financiera sino de pasión por todo el significado de la Luna de Avellaneda.

Se genera también la problemática de pareja en una etapa de madurez. Esa etapa de madurez cuando parece que las motivaciones se marchan. Tal vez ese momento donde pensamos que la vida ha llegado a un límite y los sueños comienzan a ser pesadillas. El amor eterno se vuelve finito. Cuando los hijos crecen y aquella pasión por el vivir se comienza a morir. Estas crisis de pareja acompañan a los miembros del club, que no solo tienen que lidiar con la problemática financiera de su recinto social, sino también con familias perfectamente disfuncionales. Así como la terrible soledad que invade los corazones de esta tierra. Luna de Avellaneda es un concepto humano, que evade paradigmas y razón para lograr un encuentro con el lado más hermoso de nuestro sentir. Exponiendo lo crudo y bello de nuestra naturaleza en cada cuadro y dialogo. Generando una combinación realista de la vida, que genera una magia única por su bella manera de desnudar el más puro anhelo del hombre.

La música es sutil y nos traslada en el centro de cada momento. Así como acompaña en cada sentimiento a la trama. Los dialogos son exactos, justos y más que nada bien pensados. Las actuaciones son francas y se lograron mimetizar perfectamente con todo el contexto que se buscó. La fotografía es llena de una alegoría hacia el bello contraste nocturno de una luna nadando en la noche. Los cuadros engloban perfectamente cada interacción y paisaje. Así como la historia ayuda debido a su fuerte contenido humano. Creo que el director logró una pieza de lo mejor dentro del cine argentino, considerando que el cine de esa región es muy bueno.

Calificación: 9.1

The King of Comedy ( El Rey de la Comedia )

Actores: Diahnne Abbott, Richard Baratz, Sandra Bernhard, Lou Brown (III), Robert De Niro y Jerry Lewis

Director: Martin Scorsese

Año: 1983

País: E.U.A.

Una brillante comedia que se basa en la obsesión por lograr una fantasía. Tocando el tema psicológico en el hombre de manera tenue y poco profunda. La cinta nos invita a un mundo de ironía y la eterna búsqueda de la felicidad a cualquier precio. Todo comienza con un comediante de espejo que vive el sueño de aparecer en su Talk Show favorito. Sin ninguna experiencia a nivel profesional, practica su entrada a la fama día a día. Y es así como por fin se decide a buscar su oportunidad dentro de este aclamado show en Nueva York y demás ciudades.

El presentador del show es un famoso comediante que es realmente un ídolo en el medio televisivo. Y con una vida como la de cualquier artista en madurez, pues no está dispuesto a dar oportunidad a quien no ha demostrado merecerla. Y es ahí donde entramos en un juego de locura y obsesión por ver si existe la posibilidad de debutar a Rupert (Robert Deniro). Ya a un nivel secundario aparece la no deseada secuaz de Rupert, quien tiene como amor platónico al presentador del Talk Show. Es así como nace una simbiosis bastante atípica para lograr cada uno su sueño.

Es importante ver como se plantea el manejo televisivo en los 80’s, así como la trama llena de dinamismo. Sin ser una de las obras más artísticas a nivel visual. La cinta guarda un equilibrio confortante. La actuación de De Niro es de un excelente gusto, ya que supo asimilar el guión. Aunque no llega a ser tan penetrante como en otras cintas debido a cierta limitación en las dimensiones del personaje. Yo esperaba una continuación de lo que fue la etapa final de Raging Bull con ese comediante tan obsceno y decadente que en verdad arrancó carcajadas. Este es un comediante más cuadrado e inseguro lleno de una inocencia y psicosis peculiar.

Calificación 8.2

Fuera del Cielo

Director: Javier Patrón 'Fox'

Actores: Demián Bichir, Armando Hernández, Damián Alcázar, Dolores Heredia, Rafael Inclán, Martha Higareda, Isela Vega.

País: México

Año: 2006

Seguimos con posts de Cine Mexicano, la película Fuera del Cielo. Con una cronología lineal de 24hrs. Comienza a las 6am y termina a las 6am del día siguiente. Todo comienza una madrugada con la salida del "Malboro" (Demian Bichir) del reclusorio, es así como después de cinco años vuelve a su casa. Ese regreso con su gente, sus amores , familia y su pasado van generando una aventura criminal dentro de un barrio bravo en la ciudad de México. Un hombre acostumbrado a ganarse el pan con el box y los robos que hiciera en las calles. Llega de cierta manera renovado a ver que su hermano se convirtió en lo que el siempre fue. Con un enojo ante la vida y su destino inicia una batalla en contra de todos, pero más bien contra sí mismo.

Marlboro fue criado por su tío boxeador mediocre, su madre era prostituta y su padre lo abandonó. El perfil de todo un criminal en potencia. Y sí, acostumbrados a vivir en la jungla de asfalto nos proyectan la manera violenta de vivir de dos hermanos. Una realidad llevada a la pantalla con cuadros de fotografía sublimes. Los juegos de luz son mágicos y dan el lugar que se merece a la magestuosa urbe llena de todo y vacía de nada. La edición es un tanto secundaria, pero tiene un trabajo sencillo y limpio. Ya que la fotografía tiene un juego de filtros y acomodos complejos. La cinta colabora en resaltar mucho escenografías y aspectos visuales.

El guión es bueno y coherente dentro de la generalidad de la secuencia. Así como encaja con el perfil de los actores. De esta manera vemos actuaciones muy bien llevadas con personajes estudiados. Incluso la actuación de Demián Bichir llega a ser las más gris, tomando en cuenta que es el protagonista. Ya que de cierta manera no transmite del todo la desesperación y coraje introvertido que guarda. El manejo de una sexualidad promiscua y casual dentro de un siglo nuevo de decadencia humana. Relaciones amorosas que crean infelicidad a los participantes, el egoísmo de cada persona. Así como el choque de clases y la exposición de que en escencia todo hombre guarda una misma miseria. Vale la pena mencionar que la secuencia va generando una línea en buena pendiente con el climax y final de la cinta.

Calificación 7.8

Así del Precipicio

Actores: Ingrid Martz, Gabriela Platas Ana De La Reguera

Director: Teresa Suarez

Año: 2006

México

La película trata de atacar un segmento comercial que cuadre con la mujer capitalina que va al cine. Tenemos una generalidad de la mujer contemporánea en la Ciudad de México. La mujer típica sumisa que se casa con un hombre rico y cae en la frustración marital. La artista rebelde intelectual y la desquiciada hija de papá adicta a relaciones destructivas y drogas. Estos tres perfiles desarrollan una problemática de sexo, drogas y una idealización del amor. Bajo un contexto de una gran urbe cosmopolita llena de una apertura a las nuevas tendencias de vida en el mundo. Homosexualidad como un estornudo, meterse un pericazo de cocaina es como tomar un vaso con agua.

La historia nos plantea como cada mujer va viviendo su propio infierno. La desesperación y el fracaso en todos los ámbitos. Es así como la cinta nos describe la delgada línea entre tocar fondo e ir coqueteando con una vida sin luz. Así como se expone el concepto de la nueva mujer mexicana, que ya no es una María Félix idealizada en el encanto de lo recatado y propio. Hoy las vemos hacer marometas en la cama, meterse ron hasta por las orejas y tener más amigos gays que todos los chavos de RBD. Es un cine que busca llegarle a su segmento, no un cine del creador al espectador, sino una cine que trata de encajar comercialmente en el estereotipo de mujer que nos expone.

La urbanización captada por los lentes es fantástica, y la música genera ese punch para el espectador melancólico. La dirección tiene ese toque de espontánea y con una falta de visualización de la cinta. El desnudo de Ana de la Reguera es sensual y atractivo al espectador masculino ( no gay). El dialogo es un tanto forzado en cuadrar con un lenguaje cotidiano, y es ahí donde choca con personajes un tanto planos, unidimensionales. Creo que ese choque entre guión y actuación tiene un demérito en el trabajo global de la cinta.

Calificación 6.9

Zodiac ( Zodiaco )

Actores: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Brian Cox y Chloe Sevigny

Director: David Fincher

Año : 2007

País: EUA

Un thriller policiaco que nos contagia la adicción, desesperación y cansancio sobre el caso de un asesino serial que evoca a los más grandes psicópatas de la historia. De igual manera vivimos los años 60's y 70's de forma real en una adaptación fílmica-temporal impecable. De este modo vivimos el impacto que generan los homicidios en las vida de un periodista, un caricaturista y un policia. Debido a lo peculiar y siniestro de cada crimen se comienza a sucitar toda una psicosis en San Francisco y pequeñas ciudades aledañas. Por momentos se comienza a pensar que es imposible llegar a dar con el homicida debido a que rompe con los esquemas de lo habitual y jamás deja un rastro que el mismo no provoque. El criminal se comunica con cartas a un diario y de una forma cínica busca ser elogiado, así como a las tres personas antes mencionadas de cierta manera les genera una obligación el dar con el responsable. Miles de sospechosos están en la mira, pero simplemente la caligrafía y huellas no tienen una coincidencia que de un veredicto.

La música es genial, ya que va avanzando junto con la cinta año tras año. Ubicándonos temporalmente sin ningún problema. El manejo de luz es mágico, muy similar al trabajo anterior de Fincher que es Seven. Excelente para una película de este género. Las actuaciones son enigmáticas y guardan la sensibilidad hacia el personaje que representan. El guión es una adaptación correcta, aunque ya en el screenplay entramos en una letania que por momentos parece eterna. Es así como la duración llega a contrarestar el goce de verla. Nos hinundamos en la misma desesperación por terminar el caso. Agotadora expectativa por un final que parece ser el correcto y a la vez no. Lo que es importante es que la cinta termina de alguna forma.

Sin la vanguardia de edición en Fight Club (Del mismo director), así como la versatilidad de cuadros y dinamismo fílmico. Nos encontramos con una cinta que amerita verse. A pesar de que guarde un toque más convencional, creo que Fincher realiza un trabajo con esmero y detallado de la novela que lleva a pantalla.

Calificación 8.1

Borat - Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan ( Borat )

Actores: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Luenell, Ilham Äliyev and Bob Barr

Director: Larry Charles

Año: 2006

País: EUA

Un cine ofensivo y a la vez expone la ignorancia que motiva a la agresión inter-humana. Borat es una película que intenta hacer una crítica hacia el mundo americano. Se tocan distintas características de la sociedad, haciendo un bosquejo desde la perspectiva del creador. Es así como mediante un extranjero ponen en choque los razgos más clásicos de todo un país. América es una nación llena de diferencias y culturas diversas. Borat llega con un comportamiento irreverente y abierto a cambiar los esquemas dentro de los convencionalismos de siempre.

Trata sobre un proyecto que se realiza en Kazakhstan de llevar a un ciudadano a conocer otro estilo de vida. Borat tiene esa dura tarea y es enviado con corto presupuesto a los States. Generan a un personaje totalmente abstracto y mediante una mala fundamentación del estilo de vida en el país ex-comunista ridiculizan sus costumbres milenarias. De igual manera se burlan de la generalidad yankee y las distintas minorías que conforman el país. Hay un mal planteo en exponer el tema de los judíos dentro de la cinta, ya que no entran en detalles concretos. Así como un exceso de desnudo masculino que por momentos desagrada. La película no se sabe si genera polémica por coincidencia o en verdad intentaron hacer un trabajo que delata la ignorancia mundial entre las diverasas culturas.

El trabajo de fotografía es bastante común, el guión tiene elementos muy buenos, pero también muy malos. La historia es bastante simple e incluso irreverente por la naturaleza del personaje. La actuación a nivel comedia es buena, ya que generar todo el concepto de persona, pronunciación y arte es complejo. Es de esas películas que pueden terminar en cualquier momento y al final solamente tiene al que observa agonizando sin ninguna expecativa. Lo importante de la cinta es ver como manejan la crítica hacia distintos grupos. Aunque en algunas situaciones son simplemente bromas forzadas que buscan ridiculizar sin sentido.

Calificación 6.8

Smokin´ Aces (La Última Carta)

Actores: Ben Affleck, Zach Cumer, Jason Bateman, Common, Joseph Ruskin, Andy García y Jeremy Piven

Director: Joe Carnahan
País: EE.UU.
Año: 2007

La conjunción de un cine de acción violento siempre ha sido un reto para crear una verdadera obra fílmica. Pocas películas han llegado a la genialidad y miles serán simplemente refritos de una misma trama en distintos contextos. En este caso tenemos una cinta con tan solo algunos detalles de genialidad y buen trabajo. Desde un inicio podemos decir que no llega a ser un proyecto redondo por varios motivos que mencionaremos. Así como también tocaremos sus aciertos que le dan apenas lo necesario para ser nombrada dentro de la selección CineIdeas.

La mafia infiltrada en los círculos más altos de las organizaciones policíacas americanas lleva a cabo negociaciones de gran nivel para poder seguir cuidando sus intereses. Todo esto dependiendo de los planes del gobierno, quien sabe que tendrá una simbiosis eterna con su aliado el crimen. La corrupción y la traición son una constante en ambas partes. Es así como Smokin´ aces (La Última Carta) trata de proyectar la manipulación ejercida por los mafiosos en Las Vegas a través de el flujo de información que brindan. Un reconocido mago es objeto de disputa entre el FBI y los intereses de la Mafia. Desde un inicio nos plantean el choque de los principales sicarios del país en búsqueda de eliminar a este artista gangster. Mientras el FBI intentará cuidarlo, ya que se ha convertido en un soplón en potencia. Todo esto como si fuera una carrera para ver quien es el que lo mata primero (algo bastante patético, pero no del todo irreal). Es así como se van dando los giros en la historia y nos descifran la raíz de toda la carnicería que nos muestran en pantalla.

La matanza extrema y sin sentido llega a darle a la película un abismo visceral. Le quita valor al trabajo que se había llevado acabo. Los asesinatos a sangre fría y sin un grado de humanidad necesitan una exposición inteligente que no se logra siempre. Los personajes contratados como sicarios son realmente creativos y muy surrealistas. Esto le da un toque de cinismo a la violencia. Brindando un aire irónico a la muerte de quien goza de matar. Algunas actuaciones caen en lo simple y trilladas, cosa que no es muy bien vista en este tipo de cintas que requieren de ayuno antes de entrar a la sala. La actuación de Piven ( Israel, el mago) es genial, tiene ese don nato de prepotencia y nerviosismo muy bien logrado. Su histeria en la droga y el miedo a morir son totalmente transmitidos en su trabajo. Es sin duda la actuación más sobresaliente. Aunque por momentos vemos una película de acción cualquiera, en otros momentos se ve genialidad en la fotografía y guión. Al más puro estilo de Snatch o de un Tarantino, en algunos instantes podemos recordar ese total estilo de culto. La fotografía utiliza cuadros, filtros y acercamientos muy bien dirigidos lo cual hace que la cinta se vea muy atractiva e introduce al espectador al suceso.

Esta cinta tiene huecos en que por instantes la violencia absurda y sin motivo de generar algo domina la pantalla. Haciendo que la obra no sea un trabajo que este a los niveles de los grandes creadores de cine violento y acción. Así como algunas actuaciones no convincentes y bastante demás. Fuera de eso podemos ver una cinta que nos deleita con un choque e personajes fuera de lo convencional y con un toque artístico de carácter. Así como un atractivo visual en edición y juego de cámaras bien manejado. Aunque si vale la pena advertir sobre su fuerte carga de sangre salpicando las pantallas.

Calificación.7.3

En el siguiente video de youtube vean un episodio de la actuación de Piven, similar a su comercial papel en la serie de HBO Entourage, pero con un guión mucho más hardcore. Vean al mago mafioso de las vegas.