Stranger than Fiction

Actores: Will Ferrell, Dustin Hoffman, William Dick, Guy Massey, Martha Espinoza and T.J. Jagodowski.

Director: Marc Forster

Año: 2006

País: EUA

Creo que es garantía de un cine absurdo la aparición de Will Farrel dentro del casting de alguna cinta. Aunque ya hemos tenido apariciones menos comerciales como Melinda y Melinda y en su defecto Stranger than Fiction que tiene un corte más dramático. Es así como una vez más Marc Forster intenta dirigir todo un concepto dinámico en narración y aspectos visuales. El autor viene de realizar Stay un trabajo en pantalla y manejo de historia bastante diferente al cine convencional. Es así como sigue de cierta manera con historias de protagonistas dentro de un mundo paralelo a una realidad. Nuevamente no vemos una película del todo equilibrada, ya que se perciben huecos en actuación al no afrontar un guión surrealista de la mejor manera. Parece que por instantes la adaptación combinada con la actuación no generan una interpretación creíble en su máxima expresión. Estas dos últimas cintas se enfocan en fotografía, incursión de conceptos técnicos agradables a la vista y narraciones que requieren total atención.

Es la historia de un auditor que percibe que su vida ha sido pateticamente narrada por una voz que le aturde. Cualquier creería que Él está loco, excepto un profesor de literatura que se convence por los hechos irónicos en su vida de que todo es parte de un libro. Es así como mediante cuestionarios alegóricos busca encontar que autor le narra. La película busca que la vida real y la del libro en cierto momento choquen. Generando un manejo del destino irónico y manipulable por la creatividad de una escritora en depresión.

Vemos a Will Farrel dentro de un rol bien llevado, y a pesar de que es un cómico forzado en la cinta nos genera un desarrollo atractivo. Es un tanto un papel bidimensional, pero con tintes de un trabajo bien llevado. Vemos detalles muy agradable de estadísticas y comentarios que se incluyen de manera muy atractiva. Así como las interacciones entre personajes llegan a ser muy casuales. La música a mi parecer no me conmovió y el manejo de foto me agradó bastante. La edición ha sido sútil y le da secuencia viva. Tenemos que saber que no es una película realista sino más abstracta. Vale la pena apreciar ciertos aspectos, y estoy seguro que muchos coincidirán con mi visión, ya que al final de verla nos genera un sentimiento de que algo faltó.

Calificación 7.3

Scoop (Amor y Muerte)

Actores: Woody Allen, Hugh Jackman, Scarlett Johansson, Geoff Bell, Christopher Fulford and Nigel Lindsay

Director: Woody Allen

Año:2006

País: U.K. - E.U.A.

Scoop en la traducción que la película brinda significa "exclusiva". Es así como una vez más el título en Español le resta significado a la intención del creador. (Match point=La provocación) Pero en fin lo importante es enfocarnos al trabajo que vemos en pantalla. Después de venir de un éxito de innovación personal para Allen (Match point), ahora podemos presenciar lo que puede ser un retroceso o un "back to the essentials". Para mi fue un deleite recordar las cintas anteriores con un nuevo contexto que rodea al guión, debido a que soy un seguidor del director desde que tengo algo de criterio fílmico. Analizando objetivamente podemos decir que volvemos a la misma fórmula desgastada por décadas que generó todo un estilo y temática a lo que ya son cintas de culto para muchos. Con toda la autocrítica que hace hacia su perfil; judío, neo yorquino, inseguro y con un síndrome freudiano incurable. Scoop es el contraste preciso entre la comedia y un thriller británico derivado de la chispa y genialidad de todo un trabajo escénico equilibrado.

Un aclamado reportero londinense muere y en su trayecto al más allá escucha un rumor sobre la identidad de un temido asesino de prostitutas. Se piensa que es un miembro de una de las familias más honorables del país. Él impulsado por su instinto noticioso logra escapar por instantes de su retiro eterno y comunicarse con una joven estudiante de periodismo. Es así como le comenta todo lo que sabe y le pide que realice la investigación, ya que es una revelación sin precedentes desde Jack "el destripador". Esta joven periodista comienza a introducirse a lo más alto de la sociedad británica junto con un mago peculiar (Woody Allen), quien fue complice de una de las apariciones del reportero fallecido.

Volvemos a ver el contexto de Reino Unido en la cinta, es así como se genera un choque de culturas muy interesantes. Vemos como se ríen de la falta de refinamiento en la clase media americana y apreciamos una exposición sútil de lo arrogante del comportamiento inglés. A la hora de mezclar estos dos elementos presenciamos una crítica sana hacia ambas concepciones de vida. La actuación de Woody Allen contrasta la seriedad, propiedad y sobriedad del ambiente aristócrata de la Gran Bretaña. Generando una comedia fina, muy al estilo de su tradicional personaje ya muy conocido por todos. Scarlett Johansson es la reportera que se inmiscuye en una investigación arriesgada en búsqueda de la verdad. Poco a poco se va relacionando con un apuesto y refinado soltero, para así conseguir su exclusiva viviendo con el sospechoso. Ella se ha convertido en la nueva actriz de cabecera para Allen y creo que ha realizado una actuación contrapuesta a su anterior papel. Demostrando que tiene cualidades para deleitar a la audiencia con distintas facetas. Ella más bien es la parte que busca el thriller y hace una mancuerna con el director fabulosa llena de chispa y buen humor.

En términos visuales, la fotografía es clásica y sobria. Pero es muy importante notar lo bien manejada. El equilibrio de luz-sombra es envolvente. Así como la edición y manejos de corte en escena. La película está muy bien llevada y nos presentan la campiña inglesa de manera bella y con sus colores auténticos. El equipo de fotografía hizo un papel sutil que permite concentrarnos en las escenas. Así como apreciar el guión que es el arma principal de la cinta. Los comentarios y bromas intelectuales son un placer y la trama está bien manejada de principio a fin. La duración de la cinta no se percibe, ya que nos quedamos envueltos en la agilidad de la historia. Por último destacar que las interpretaciones son perfectamente dirigidas y es una película totalmente planeada. Así que una garantía de entretenimiento, aunque muchos digan que es ver más de lo mismo. Siento que es mejor entrar a ver esta cinta antes que las decenas de producciones sin calidad que se presentan. Scoop presenta ideas retocadas en el trabajo y el contraste de comedia es muy agradable.

Calificación: 8.9

Madrigal

Director: Fernando Perez


Actores: Carlos Enrique Almirante (Javier), Liety Chaviano (Luisita), Luis Alberto García (Ángel), Carla Sánchez (Eva), Armando Soler, (anciano/elder Soler), Ana Cecilia Armas (Stella Maris) y Yailene Sierra (Elvira).

País: España - Cuba

Año:2006

Durante el XXII festival de Cine de Guadalajara se presentó la película del director cubano Fernando Pérez. Tuve la oportunidad de coincidir y apreciarla. No sé que tanta difusión vaya a tener a nivel comercial. Este festival reune expositores de primera talla y es todo un deleite entrar a una sala donde se experimenta y exponenen propuestas de vanguardia y con contenido. El país invitado para este festival fue Brasil.

El madrigal es la composición poética amorosa que de manera ardua nos calienta el corazón con versos. Fue muy desarrollada dentro del Renacimiento. Todo comienza en una obra de teatro interpretada por actores que no son de primera línea en una ciudad española de sombras. La obra un tanto tétrica y con toda la rigidez de un drama clásico llega a ser incluso patética en su interpretación. Cantos y aplausos sin carisma llenan de un ambiente que irradia silencio y risa interna.Es desde esta obra donde se desprende la cinta y entramos a un juego amoroso de mentiras y fantasías. Donde un joven actor intenta conquistar el corazón virgen de una mujer obesa. El actor intenta quedarse con su casa para vivir en un futuro con su sensual compañera de trabajo y matar a la robusta Luisita. No comprendemos en que punto llega el amor a superar el interés. Es así como poco a poco se generan triángulos amorosos donde la mentira oculta por el sentimiento desdeñan un ciclo trágico recíproco en los protagonistas.



Durante toda la trama el joven actor va escribiendo otro tipo de madrigal cachondo dentro de una ciudad de Sexo. Es así como el relaciona su vida y sentimientos a este escrito que se nos es mostrado al final. Ligando cada detalle de la cinta al final con un futuro lleno de fornicación. Es un poco pesado, pero algo diferente ver el final de la cinta basado en una historia fantástica dentro de una trama dramática y llena de un corte serio. La fotografía es fría y llena del ambiente que el director propone. Por lo tanto podemos decir que es coherente. La escenografía es hechiza y parece estar realizada en un foro. Para los amantes de los escenarios cotidianos y llenos de realismo esta cinta nos ofrece escenarios inmóviles y bastante repetitivos. La fotografía genera claustrofobia derivada de su escenografía tétrica y sombría.

El guión es totalmente enfocado a un madrigal contemporáneo. Con comentarios bellos y poéticos. Pero que a su vez nos brindan un contexto crudo de la realidad actual. Existen varias alegorías y motives de belleza que buscan exponer la gracia humanística. Al final como en todo en la vida resulta una tragedia. Vemos tres madrigales en una misma cinta. El primero el de la obra de teatro que interpretan. El segundo la trama de la película y el tercero el cuento que escribe el protagonista con toque futurista. Es atractivo como se unen las tres historias mediante ficción y fantasía. En un eje de realismo abstracto para el espectador.

Calificación: 7.2

visita la página oficial del festival en:

http://www.guadalajaracinemafest.com/espanol/index.php

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Director: Pedro Almodóvar

Actores: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave.

País España

Año: 2006

Volver al amor, volver al incesto, revivir un cielo que imperceptiblemente se convierte en el infierno de siempre. Un culto a la silueta y sensualidad de Penelope Cruz que con los años nos demuestra sus caderas y expresiones cada vez más llenas de carácter. Por momentos el director toma fundamentos del cine de su propia vieja escuela. Es así como vemos un cine que conjunta dos etapas del mismo director de manera poética. Sabe utilizar a esta divina actriz como vínculo entre sus múltiples trabajos. Cerrando ciclos como director y engrandeciendo como siempre lo divino de la mujer.

La historia de tres mujeres, de tres generaciones. Mujeres que han sufrido los efectos del incesto en sus vidas. Y se analizan las repercusiones en acontecimientos y patologías dentro de la vida humana. En torno al homicidio en defensa propia del esposo de Penélope se va desnudando una historia que aparenta ser de suspenso y mágica de inicio. Y poco a poco va aterrizando a una realidad romántica llena de los problemas que se presentan en la vida de los más comúnes. Se plantea la fortaleza con la que viven las mujeres para salir adelante dentro de una España cada vez más urbana. Así como el choque entre las ideologías de los pueblos y las ciudades ibéricas. De esta manera entramos a un mundo de contrastes donde la realidad y la honestidad se mezclan en combinación exacta. Se plantea el rencuentro después de años de una madre hacia sus hijas y así se comienza a decifrar el pasado para comprender el presente.

El toque de alegría que le brinda un restaurante es muy agradable, así como la versión un tanto flamenca del tango volver. Que da enfasis al título y trama de la obra. El guión es muy al estilo de Almodóvar lleno de carga emocional y acoplamiento con las escenas. Los colores rojos y blancos nos conmueven dentro de la pantalla. Es muy fácil con la simple vista identificar una cinta en el plano visual de este director. La fotografía acompañada de escenografía, juegos de luz e imagen de los actores nos generan una visión realmente bella. Los ángulos y alturas de las tomas son juegos que le dan autonomía visual a la cinta. Así como saben resaltar la belleza de la Actriz principal. Se combina el drama y la comedia como un juego de la vida, donde hay lagrimas y sonrisas a cada momento.

El perfil de cada personaje es muy desarrollado y auténtico. Brindando total honestidad a los sucesos. El tener un papel dentro de la cinta es un goce para el artista. Con esta película Almódovar sale de la fórmula que había llevado ya por años y hace un cine sencillo. Entendible y muy lleno de humanismo como siempre.

Sentir,Que es un soplo la vida,
Que veinte años no es nada,
Que es febril la mirada
Errante en las sobras
Te busca y te nombra

Vivir,
Con el alma aferrada
A un dulce recuerdo
Que llevo otra vez
Tengo miedo del encuentro
Con el pasado que vuelve
A enfrentarse con mi vida.

Calificación: 8.6

Little Miss Sunshine

Actors: Abigail Breslin, Greg Kinnear, Paul Dano, Alan Arkin, Toni Collette, See more

Directors: Jonathan Dayton, Valerie Faris

País: E.U.A.

Año: 2006

Vivimos dentro de un mundo donde estamos siendo evaluados a cada instante. En el trabajo, escuela, sociedad o cualquier ámbito en el que nos desempeñemos. Es así como esta cinta logra reunir una voz de sinceridad ante el miedo al fracaso. La mayoría de los seres humanos vive con ciertas aspiraciones, el mundo de hoy puede obstruirnos en alcanzarlas. Es ahí donde se divide lo que la mercadotecnia nos propone como una persona exitosa y una perdedora. Sin importar los medios para llegar al éxito occidental, hoy en día no hay más grande éxito que estar realizado en el amor, en lo laboral y lo social. Dicen diversos estudios que el hombre busca a toda costa ser aceptado. Dentro de una sociedad de estereotipos y competida Little Miss Sunshine es la esperanza de todos por romper esquemas convencionales y demostrar que son personas llenas de defectos y fracasos sin miedo a ser juzgados por un instante.

El desarrollo de protagonistas se centra en denotar perfiles de americanos comunes, los cuales no hah podido realizar su sueño americano. Cada personaje busca fuertemente tener un éxito o lo buscó en cierto momento. Es así como tenemos un abuelo drogadicto y grosero. Un padre de familia que trabaja como orador de pláticas motivacionales para triunfadores. Estas pláticas no son escuchadas y el pelea por algún día tener libros o DVD's que hablen de su teorías. Un tío que acaba de intentar suicidarse por fracasar y envidiar la vida de otra persona. Y un joven que ha hecho votos de silencio para disciplinarse y entrar a la academia de pilotos. Cabe destacar que este joven odia a toda persona y a su familia en especial. Pero dentro de todo esto está la pequeña Miss Sunshine quien vive la inocencia y la tranquilidad de la infancia.

Esta niña es un papel natural, actúa como si fuera un adulto y es ralmente agradable ver su participación que contrasta con todo lo que son los demás personajes oscuros y llenos de amargura. Al ser ella seleccionada para ir al concurso de belleza, hace que toda la famila se movilice en ir. Es así como empieza un viaje de exposición de debilidades y fracasos. Donde toda la familia comienza a perder sus sueños y centra todo en que el concurso de belleza infantil alivie sus penas aunque sea por unos instantes. Es en el final de la cinta donde se da el mensaje, y es importante gozarlo y llevarnos un muy buen rato.

El guión es ocurrente y honesto, digno de una película con fondo. Se tocan temas realmente importantes en la educación de los hijos y relaciones familiares. Así como del interior de las personas. También es importante notar la fotografía, la cual es sobria pero muy enfocada en los sucesos. Sin ser sobresaliente nos acompaña de una manera atractiva por la trama. Las escenografías son sencillas y acorde con el tipo de familia que vemos. Los vestuarios son simpáticos y la película se difruta minuto a minuto sin ser nada lenta. La camioneta que se queda sin embrage es realmente algo original y muy simpático. Solo por mencionar un hecho dentro de la cinta.

Little Miss Sunshine es un llamado a vivir por unos instantes sin la presión social y económica que nos brindan estos tiempos de consumismo. Es así como nos podemos dar un tiempo para ser nosotros mismos y olvidar todas las presiones que nos genera el buscar un éxito. Así como el miedo a fracasar y ser catalogados como perdedores. La dirección fue muy precisa al tener un manejo de cada escena, en cada cuadro muy concreto. El director nos va llevando por cada interacción familia o del personaje de manera mágica. Sin ser una película sobresaliente es muy equilibrada en todos sus aspectos. Generando un buen balance de lo que buscamos en el cine.

Calificación 8.4

Sideways (Entre Copas)

Actors: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh, Marylouise Burke

Director: Alexander Payne

Año: 2005

Una metáfora llena de humanismo que nos envuelve en una comedia dinámica y conmovedora. Sideways es sin duda alguna una combinación de dos personajes que logran compenetrarse de una manera única. Miles es un escritor jamás publicado, el cual es enólogo por convicción. Este escritor busca llevar a su amigo Jack, quien es actor a su último viaje como soltero días antes de su boda. El viaje estaba planeado como un tour enológico y de buen comer. Acompañado por un poco de golf y descanso. Su compañero más bien buscaba una última oportunidad de reventarse y experimentar la soltería con el sexo opuesto. Sin duda alguna el personaje de Miles es más desarrollado y profundo. Ya que carga varios complejos y malas experiencias de vida. Un divorcio, fracaso laboral, fracaso en el plano sexual y familiar. Con todo esto nos conmueve con su profunda filosofía y manera de afrontar la vida acompañado del vino como lo único que le da placer. A lo mejor es un alcohólico, pero creo que la cinta no tiene nada que ver con Adios a las Vegas con la manera de beber del protagonista.

Es importante ver como manejan dentro de la cinta distintos tipos de uva, regiones y algunas casas. Así nos adentran y contagían de la manera de disfrutar una copa. Se incursionan en Santa Ynez Valley en California, donde existen viñedos al por mayor y pequeños pueblos con excelentes restaurantes. Vemos la antitesis del hombre extrovertido y chocan de una manera cómica y contundente. Es así como se hace un análisis de los distintos complejos que guarda el género masculino en mayor o menor proporción. Riéndonos de la exageración o minimización de lo que muchos sentimos en ciertas situaciones. El guión es excelente y de una profundidad que no percibimos de momento sino hasta varios minutos después de ver la película.

El personaje de Jack de igual manera es una exhibición de lo que el hombre es por dentro en ciertos momentos. Así como la total extroversión animal que guarda. Es sin duda un análisis bastante preciso de lo que el hombre posee como cualidades y defectos. Anhelos y frustraciones. Deseos y complejos. La aceptación y el rechazo. Creo que es una película que nos distrae de la realidad por un momento y nos pone en un tour enológico junto a los protagonistas.

La fotografía cumple con las expectativas, acompañada de una iluminación natural que nos deleita en los paisajes. También los cuadros guardan cierto encanto con tomas lejanas o con un acompañamiento de los sucesos experimental. El desarrollo de los personajes como ya mencionamos es fenomenal en el caso de Miles. El contenido psicológico es sobresaliente y mencionar el toque del director en la selección de vinos y uvas que hace para la cinta.

Calificación: 8.2

Hable Con Ella

película.Actores: Javier Cámara, Darío Grandineti, Leonor Watling, Rosario Flores y Mariola Fuentes

Director: Pedro Almodóvar

Año: 2002

Sexo, homosexualidad, enfermedad, dolor y pasión; Sí , es otra película de Almodóvar que busca indagar en la naturaleza humana de la manera más honesta. Con base en un desarrollo de personajes amplio y con características detalladas nos da un mensaje directo de amor. Tenemos una mujer torera, llena de carácter y un hermafroditismo que conquista plazas enteras. Un enfermero virgen que jamás ha sido correspondido afectivamente por nadie. Un escritor argentino que vaga por el mundo con un corazón roto. Y una bella bailarina en coma que nos conquista con la silueta y expresión inmóvil de su cuerpo desnudo.

Se hace una crítica al hombre en cuestión de su trato a la mujer. Y el como hoy en día muchas relaciones no saben hablar, tocarse o incluso mirarse. Utilizando como ejemplo la situación de una mujer en coma. Vemos como es perceptible el vínculo amoroso a través de estas pruebas que puede poner la vida. Para un enfermero enamorado desde hace muchos años de una mujer que prácticamente nunca conoció. Y nada correspondido debido al estado en el que se encuentra la joven amada. Este enfermero escucha, platica, vive y cuida con pasión cada momento de su amada. Mientras que en la relación del periodista y la torera simplemente ni se tocan. Es así como se percibe el desamor y la falta de fuerza en su relación.

La historia de cada relación nos la van contando de una manera parabólica y con una secuencia limpia y entendible en cada cuadro. El guión es una de las grandes fortalezas que tiene la trama y es el pilar hacia una historia encantadora. Que polémicamente defiende una patología que engrandece un amor no correspondido y más aún, justifica un cálido romance hacia alguien que se encuentra en estado vegetal. Y lo más irónico es que lo hace parecer válido ante la inocencia y pureza del enfermero. Para lo que a muchos es una enfermedad psicológica, para otros es la más bella historia de amor.

La escenografía es estética y similar a muchas películas de este director. Podemos ver el toque de su equipo. Que a través de la sencillez logran llevar totalmente nuestra atención hacia los sucesos. Almodóvar ama al ser humano con todos sus defectos y cualidades. Y en sus propios defectos encuentra cualidades bellas. La honestidad de las emociones humanas cautiva en cada momento. Así como el buen trabajo de la mayoría de los personajes principales y secundarios. La amistad de un periodista sumamente racional con un enfermero desadaptado en una urbanidad madrileña genera la sensación de una igualdad en sus almas, con una diferencia en la manera de expresar sus emociones. Así como de racionalizar la vida.

Como nota final es importante apreciar el cortometraje mudo y muy surrealista que tiene la película. Así como ver el tributo que le hace a grandes artistas españoles en él. Un hombre diminuto recorre el cuerpo desnudo de su amada. También nada dentro de una vagina gigante para su tamaño. Culmina el amor que siente hacia su bella mujer con un orgasmo.

Calificación: 8.9

Raging Bull

Actors: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent y Nicholas Colasanto.

Directors: Martin Scorsese


Año: 1980


Una gran obra de los ochenta que nos narra la vida de un boxeador paranoico viviendo en una espiral de autodestrucción durante los 40's y 50's. Es así como en esta cinta podemos ver a un Scorsese en su plenitud, brindando un cine dinámico y que juega con las emociones del espectador. Escenas en el ring llenas de expresión, batallas de coraje que son el medio de explosión patológica de Jake LaMotta(Robert Deniro). Este boxeador ha sido un personaje detalladamente creado y estudiado para su interpretación. Es sin duda alguna un trabajo en conjunto de dirección, guión y actuación sublime. Ya que en pocos minutos nos empapamos de cada virtud y defecto del protagonista.


Jake LaMotta es un joven boxeador de ascendencia italiana que ha luchado para tener prestigio en el medio. Su hermano es quien ha ido llevando la dirección estratégica de su carrera. Jake es impetuoso, explosivo y agresivo. Con una patología muy notoria desde la infancia, que le impide tener relaciones de pareja funcionales. Sin duda alguna una persona insegura que lo refleja con celos extrapolados hacia su bella mujer. En esta película se aprecia el levantamiento y caída de un boxeador sin clase. Una personalidad desadaptada y violenta son la constante en el manejo de la trama, ya que en cada escena se espera el choque entre implicados. Aquí se puede analizar el fuerte vacío que carga Jake y lo refleja teniendo conflictos con las personas que más lo aman. Es así como se va gestando una soledad que aterra y una vida decadente.


La fotografía es limpia y llena de noción de cuadro, lo cual hace muy atractiva a la vista cada escena de la cinta. La actuación de Deniro es sútil y bien lograda en todo su estilo de italiano del Bronx. La trama fue apegada a la novela original, que va llevando año tras año la vida de Jake. Los actores secundarios generan una atmósfera agradable y que tiene realismo. Las escenas del cuadrilatero tienen todo el toque del director, quien nunca puede pasar por alto salpicones y chorros de sangre. Es una violencia de calidad y logra el cometido de brindarnos entretenimiento con tonos de arte.

Es muy importante notar el ambiente latino en Nueva York lleno de ese valor por la famlia y ese respeto simulado hacia la mujer. Es de esta manera como en una sociedad de hombres se gesta una de las historias de boxeo más honestas y llenas de carga emocional (nada que ver con el americanismo de Rocky) . El conflicto entre hermanos, problemas de pareja desencadenados de su total patanería y la decadencia laboral de quien vivió de la fama del boxeo. Nos tienen una mezcla de elementos que generan una trama de alta calidad. Si vieron los inflitrados es importante ver la decadencia del director en los días actuales. Ya que busca cuadrar su estilo en un refrito americano. Donde se pierde la autenticidad del director, así como vemos una influencia de las grandes casas productoras en la ideología de la trama y el manejo de las circunstancias históricas. Sin demeritar a la cinta, la cual tiene su lado positivo como una obra que ha logrado llevar el tema de la mafia contemporanea de una manera agradable.

Calificación 8.9